Новости

ЮРИЙ СОЛОМИН: НАЦИОНАЛЬНЫЙ ТЕАТР - ПРИЗНАК ДУХОВНОЙ КУЛЬТУРЫ НАРОДА

В честь 250-летия создания в России государственных театров легендарная сцена Академического Малого театра в рамках Международного фестиваля театров стран Европы пригласила ведущие национальные коллективы, чье творчество - одно из главных составляющих культуры современного мира.

Это «Пикколо ди Милано - Театр Европы» из Италии, «Эстонский театр драмы « из Таллина, Гамбургский театр «Талия» из Германии, Национальный академический театр им. Янки Купалы из Белоруссии и Национальный академический драматический театр им. И. Франко из Киева.

И мой вопрос художественному руководителю Малого театра России народному артисту СССР Юрию Соломину.

- Юрий Мефодъевич, в мире немало фестивалей драматических театров. В чем вы видите своеобразие и оригинальность Фестиваля театров стран Европы. Как возникла идея его создания?

- На наш Фестиваль мы приглашаем старейшие национальные театры, чья история существования неразрывно связана с менталитетом нации, ее становлением. Ибо как писал один из величайших создателей русского театра Александр Николаевич Островский: «Национальный театр есть признак совершеннолетия нации. Иметь такой театр и гордиться им желает каждый народ».

Наш фестиваль показал высочайший художественный уровень этих театров, который был ими достигнут в результате многолетнего служения своему народу, на поприще выражения его мыслей, чувств, его веры в торжество справедливости. Наши гости с благодарностью приняли наше приглашение, я думаю, еще и потому, что они приехали на родину великих русских драматургов, к пьесам которых они ни раз обращались в своем творчестве.

Имена Пушкина, Лермонтова, Гоголя, Тургенева, Островского, Чехова, Достоевского широко известны и любимы. По моим наблюдениям, мировая драматическая сцена сегодня не может существовать без этих авторов - великих талантов, создателей великой драматургии. И потому приезд национальных европейских театров - это их дань уважения и признательности России, народу, его театру, имеющего столь славную 250-летнию историю.

Подтверждением слов Ю.М.Соломина стал блистательный спектакль гостей из Белоруссии «Чичиков», весьма далекий от «школярного академизма» в прочтении великой поэмы Гоголя «Мертвые души». Режиссер-постановщик Валерий Раевский и художник Борис Герлован, заменили традиционный занавес световым пано в глубине сцены, которое, подобно переливающемуся спруту, то концентрируясь, то растворяясь, не только обозначал смену картин сценического действия, но и как бы дополнял психологическую энергетику персонажей. Что делало образ спектакля, созданного на стыке театра психологического и театра современных форм, ярким и стильным, оправдывая данный ему подзаголовок: мистическая комедия.

И приходило понимание, что в поэме Гоголя еще столько неизведанного, что таит она в себе мощную притягательную силу для настоящих художников сцены. В спектакле мы увидели галерею помещиков из века XIX, психологически точно сыгранных, занимательных и колоритных. Однако главными персонажами стали другие. Это «руководящие» чиновники некоего губернского города, которые прознав про «похождения» Чичикова, про его странные покупки мертвых душ, строя догадки и предположения, приходят в такое нервное состояние страха, что приводит одного из них - прокурора - к неожиданной смерти...

Ну, а что Чичиков в этом спектакле? Он удивлен: он живет по законам того же общества, где деньги решают все. И какая разница, каким способом он их приобретает - ведь не убийством же или грабежом? А быть мошенником среди себе подобных, не такой уж большой грех. Он всего лишь такой, как все. Но в глазах перепуганных на смерть чиновников он предстает героем поистине мистическим. Удивительно, но как точно действует закон современности театра, а стало быть и его необходимости, закон, от которого зависят или удачи театра, или его поражения!

Малый театр в дни Фестиваля показал премьеру гоголевского «Ревизора» . Умный, актуальный спектакль в постановке Юрия Соломина, оказавшийся сродни по духу с «Чичиковым», но решенный в художественном стиле старейшей русской сцены.

- После премьеры, - говорит Юрий Соломин, - меня спросили: какова ваша режиссерская концепция? Я ответил: никакой! Концепция у Гоголя, у автора, одного из великих в мире. Гоголь создает концепцию, которая и по сегодняшний день современна, она живет. Ибо он написал о чиновничестве. В России - ли, в других - ли странах, чиновники одни и те же. Только одни мощнее, другие нет. Вот, собственно, и все. Разве сегодня это не современно? Разве у нас нет чиновников, а есть жулики наподобие Хлестакова? И нужно ли ставить спектакль о жулике, который всех обманул? Нет! Обманулись чиновники, потому что сила страха, и опять это концепция Гоголя, создает черт знает что в их воображении.

А Хлестаков, вообще, никто, он сопляк. Гоголь сам сказал устами Городничего: « Я фитюльку принял за ревизора». В нашем спектакле мы сохраняем эстетические принципы, присущие нашему театру. Но мне нравится «Чичиков» - спектакль не академический и интересной формы - эффектной, истинно театральной, которая не заслонила содержание.

Эстонский театр драмы на Фестивале показал пьесу современного отечественного драматурга Андруса Кивиряхка «Поминки по-эстонски». Она рассказывает историю, на первый взгляд, обыденную и несмотря на трагические нотки, даже смешную, судя по реакции зала, который прерывал действие смехом и аплодисментами. ...На поминки самого старшего представителя рода в крестьянской усадьбе собирается его большая семья и те, кто знал его в прошлом. Здесь и внук покойного с молодой женой, который пытается скрыть от родни свою женитьбу. Но ему это не удается, и поминки плавно перетекают в импровизированную свадьбу...

Все просто, но этот сюжет в интерпретации режиссера Прийта Педаяса и блистательной плеяды актеров на наших глазах превратился в нечто значительное. Ибо на сцене предстал мир наших современников с близкими нам мыслями и чувствами. Колоритные персонажи со своими воспоминаниями, страстями, старыми обидами и... прошлой жизнью, в которой были и депортация, и ГУЛАГ, и чтобы выжить вступление в КПСС, и бегство от советского режима на лодках в Швецию, и еще многое, что легло шрамами на жизнь маленького народа в минувшем веке. И весь этот рассказ в диалогах ведется замечательными актерами без пафоса, без политических выпадов в сторону русских и патетических стенаний.

Художник Пилле Янес построил единственную декорацию: высокая кладка дров, пересекающая пространство сцены, лишенной каких -либо бытовых подробностей. Но какой великолепный знак минувшего, напоминающий иезуитскую фразу сталинизма: «лес рубят - щепки летят», понимая под «щепкой» человеческую жизнь! Остается только удивляться этой современной пьесе, ибо в московских театрах она стала синонимом «чернухи». Этому спектаклю, разыгранному так тонко и проникновенно актерским ансамблем по законам психологического театра. В нем все так просто, а вы не можете оторвать взгляда от этих современных эстонцев под огромным голубым балтийским небом, которое по воле художника раскинулось над сценой.

Эстонский театр драмы, отметивший свое 85-летие, пережил разные политические периоды, но и сегодня с достоинством несет миссию истинно национального театра. Он не потерял своей важной роли в истории не только эстонской, но и европейской театральной культуры.

Что сразу приходит на ум в сравнении его с другим театром на Балтике - Театром «Талия» из Гамбурга, показавшим инсценировку известного романа Теодора Фонтане «ЭффиБрист». Современная яркая театральность спектакля - режиссер Йоринда Дрёзэ, сценограф Джулия Шольц, художник по свету Штефан Боллигер - не затмевает философское содержание романа. Произведения, вслед за Г. Ибсеном, исследующим психологию общества, лишающего женщину самостоятельного выбора в сфере личной жизни. Тема, видимо, весьма волнующая и в наши дни немецкое общество, а потому разыгранная актерами в традиции психологического театра, восходящего к Чехову и великим немцам: Клейсту, Ведекинду. Кстати говоря, эти драматурги всегда занимали ведущее место в репертуаре старейшего европейского национального театра, который отметил в этом году 163-ий сезон.

Горячими аплодисментами москвичей сопровождались все спектакли Фестиваля, который представил разнообразную палитру современной драматической сцены.

Так, старейший на Украине Национальный академический драматический театр имени Ивана Франко показал музыкальную комедию «Наталка Полтавка».

Она принадлежит перу Ивана Котляревского, основоположника профессионально украинского театра, родоначальника украинского языка и литературы. Созданная в 1819 году, «Наталка Полтавка» с музыкой классика украинской музыки Мыколы Лысенко постоянно присутствовала в репертуаре ещё малороссийских антреприз. В одной из них - в труппе Деркача юный Федор Шаляпин исполнял роль возлюбленного героини Петра.

Новая интерпретация знаменитой комедии - режиссер Александр Ануров, музыкальный руководитель Олег Скрипка, художник - постановщик Андрей Александрович - Дочевский, балетмейстер Ирина Задаяна, дирижер Владимир Гданский - привлекает яркой игровой стихией, где есть место истинно народному юмору, иронии, чудному украинскому фольклору. Все это позволяет актерам импровизировать, быть раскованными в игре, танце, пении. Несмотря почтенный возраст, «Наталка Полтавка» смотрится с восторгом. Чему, думается, в немалой степени помогло содружество постановщиков с лидером группы «Вопли Видоплясова» Олегом Скрипкой, который обработал известные мелодии Мыколы Лысенко, а так же создал и свои собственные.

С особым нетерпением зрители Фестиваля ожидали приезд «Пикколо ди Милано - Театра Европы», ибо, как отмечает критика всего мира: « художественное совершенство спектаклей этого театра и их ориентированность на широкого зрителя стали образцом театрального искусства».

Театр представил спектакли великого режиссера минувшего века Джорджо Стрелера: оперу Моцарта «Так поступают все» и пьесу классика театра абсурда С.Беккета «Счастливые дни» в исполнении выдающейся актрисы Джулии Лаццарини. Этот последний шедевр ушедшего от нас мастера произвел неизгладимое впечатление еще и потому, что, пожалуй, впервые мы увидели столь совершенное искусство театра абсурда. И здесь хотелось бы привести слова самого режиссера, раскрывающие причины его обращения к Беккету. - Желание поставить Беккета возникло у меня в зрелом возрасте, -сказал мастер в одном из интервью. – К тому временил прочитал много его произведений, ощутив неподдельный интерес этого человека к театру и его душевную простоту. Его произведения потрясающие, целостные, всегда разные, даже если он создавал ряд вариаций на одну и ту же тему судьбы, одиночества, героического противостояния серости и бессмысленности человеческого существования на земле... Не добавив в пьесу «Счастливые дни « ни единого слова, я подчеркнул оптимизм главной героини и ее желание «идти до конца»...

Это мнение Джордже Стрелера тем более интересно для нас, кто на многие годы был лишен возможности видеть на сцене или читать драматургов этого направления, без которого культура XX века, безусловно, была бы обеднена.

Я спросила Ю.М. Соломина: может ли наш отечественный театр повторить успех итальянской мастеров и, в частности, успех выдающейся актрисы, которая по замыслу автора играет первое действие погребенной в песок половиной туловища, а во втором «играет» только ее голова?

-Дело не в форме, а в содержании, - говорит Юрий Мефодьевич. - Джулия Лаццарини играла содержание. А форму придумали драматург и режиссер, но они не искалечили актрису внуренне - вот что важно! Когда-то Станиславский сказал, что режиссер должен умереть в артисте, но это забывается даже теми людьми, которые для заработка используют его имя. И на мой взгляд, в работах этих режиссеров идет просто насильственное умерщвление Актера, превращение его в некий «знак» в конструкции под названием спектакль. Почему этого не происходит в Малом театре или во МХАТе им. М.Горького под руководством Татьяны Дорониной? Да потому, что в наших театрах Актер понимает, что от него хотят. А если это понимается, то тогда он может играть на голове, в песке, в воде - где угодно. Прежде чем играть роль, нужно ее прочитать и задать себе вопросы, которые уже ставил Станиславский: для чего, почему, как я это буду делать, каковы предлагаемые обстоятельства. Тогда не педалируется форма! У нас же те, кто пытается ставить Беккета, берут его форму и заставляют артиста играть форму, а не содержание. Можно играть и в сукнах - я мечтаю сыграть на пустой сцене без ничего, но только со светом - он создает для актера настроение, предлагаемые обстоятельства, атмосферу. Я это почувствовал много лет назад. Когда играл Ваню в спектакле «Униженные и оскорбленные» по Достоевскому. В последней финальной картине я оказывался почти на пустой сцене, и только в луче света произносил последний монолог моего героя. Это было незабываемо!

Мое мнение -русский драматический театр, основанный на мощном репертуаре, мощной актерской школе, опираясь на которую Станиславский создал свою систему, способен создавать спектакли любого направления. Но вскрывая содержание жизни человеческого духа, а не подражая чисто внешним заимствованным приемам, к чему так склонна наша «новая режиссура».

На открытии Фестиваля прозвучал шедевр великого Моцарта «Так поступают все». Совместная постановка Театра «Пикколо ди Милано - Театр Европы « и Фонда Петруцелли ди Барри. Под управлением маэстро Джузеппе ла Малъфа великолепно звучал Оркестр Малого театра и Хор Фонда Петруцелли ди Барри. А итальянские молодые певцы продемонстрировали не только высочайшую культуру несравненного бельканто, но и истинное актерское мастерство, продиктованное почерком Джрджо Стрелера. Наконец - то столичные любители оперного искусства увидели действительно современное прочтение классической оперы. Невозможно переоценить то впечатление, которое оставляет постановка моцартовской «Так поступают все». Ибо в ней слилось в потрясающей гармонии те составляющие, без которых невозможен оперный спектакль.

Наконец, мы своими глазами увидели, что режиссура мастера XX века, как и оформление сценографа Эцио Фриджерио, художника по костюмам Франки Скварчапино, художника по свету Жерардо Модика способны с первых мгновений очаровать нас миром моцартовского гения. Когда вы уже не представляете, что эта дивная опера может быть на сцене иною. Можно только догадываться, почему получается на Западе и не получается в наших оперных театрах, которые или копируют зарубежные постановки, или призывают авангардную режиссуру, дабы быть в ногу со временем. Это был спектакль, поражающий простотой, человечностью, одухотворенностью музыкой Моцарта, несмотря на несколько надуманный сюжет. Два молодых человека проверяют чувства возлюбленных, подвергнув их испытанию: будут ли они им верны во время их отъезда. Причем проверяют эти чувства они сами, переодевшись в неких албанцев. Приводя ниже обращение режиссера к актерам в начале работы над оперой, хотелось бы ввести читателя в «тайну» создания режиссерского шедевра. Вот оно. - Так что же такое «Так поступают все»? - говорит Стрелер. - Фарс? Нет! Это прекрасная опера, где музыка проста и естественна. И я попрошу вас быть столь же простыми и естественными, как она, ибо это и есть подлинное искусство. Чем меньше вы «красуетесь « на сцене, тем больше в вас величия. Далее если эта история не слишком правдоподобна, каждым движением мы должны стирать грань между реальностью и мистикой, так, как это делал Моцарт при помощи музыки. Ведь человеческая жизнь и есть самая величайшая загадка и игра. Моцарт всего лишь записал ее на бумаге, показав жестокие и глупые ее стороны, в то же время испытывая к ним жалость. Какими подчас смешными и жалкими мы становимся, когда любим!..

Задумайтесь над сюжетом оперы: возлюбленные пары разыграли, обманули, разлучили. Обе девушки молят о прощении и обещают никогда больше не изменять своим любимым. Разве в это молено поверить? Не торопитесь, обдумайте ситуацию. Посмотрите на нее с другой стороны и вы почувствуете, как быстро меняется ваше настроение, и то, о чем бы вы сейчас плакали, не вызывает ничего, кроме смеха. Так уж случилось, что опера Моцарта в постановке Джорджо Стрелера стала не только украшением Фестиваля, но и появилась на сцене Малого театра как нельзя кстати. Ибо ни для кого не секрет: наша модная режиссура вдоволь поиздевавшись над театром драматическим, ломая, прежде всего, классику, обратилась уже к оперному театру с теми же заимствованными у Запада далеко не лучшими приемами. Что из этого получилось, теперь, благодаря великой певице Галины Вишневской знают все. Я попросила Ю.М.Соломина прокомментировать эту ситуацию.

–Я могу понять Вишневскую и благодарен ей за сохранение нашей национальной театральной культуры. Она имеет возможность говорить на весь мир, а я только на Россию. И говорю о том же, но только о драматической сцене. очему надо уродовать Чайковского? Композитор имеет свое представление о будущем спектакле, он уже написал все, что мы должны увидеть на сцене - он написал драматургию. Режиссер должен только ее перенести на сцену.

У каждого гения свой театр, абсолютно отличный. У Верди в меньшей степени важна фактура певца, главное, что бы он пел. У Чайковского, если Татьяну нельзя отличить от Няни, то театр не состоится. Театр Чайковского не допускает компромиссов зрительного ряда.

Если режиссер приходит в музыкальный театр и ставит спектакль, который не имеет никакого отношения к музыкальной драматургии, то музыка в опере становится сопроводительной, а не главным компонентом театра, чем -то вторичным и третичным, нарушая мысль композитора. Можно быть замечательным режиссером кино или гениальным режиссером драматического театра, но ставить ему оперу нельзя. Практически невозможно, ибо надо знать, как дирижер, музыку. Надо знать, что хотел увидеть сам композитор на сцене. На мой взгляд, выражение: «у меня есть концепция» - это чудовищно. Она означает, что у Чайковского не было концепции. Он оказывается писал музыку для мобильных телефонов. А концепция есть у режиссера!

Разумеется, это не значит раз и навсегда ставить оперу «вот так». Время меняет наше отношение к театру и к оперному, и к драматическому. И время корректирует наши театральные приемы, но смысл мы менять не можем - драматургию нарушать нельзя.

Спектакли должны быть разными, но командующий - это создатель драматургии. Другой вопрос акценты! Как это ни парадоксально, но драматический театр имеет в большей степени возможность менять акценты в спектакле. А в опере нет. Надо или менять музыку, или рассчитывать на то, что в зале сидят одни дураки. Тогда можно.

Мы не имеем права отказываться от своей национальной традиции, проверенных столетиями принципов сценического воплощения: будь - то опера или драма. И вот почему: я из музыкальной семьи, и Бог мне дал хороший слух, вот голоса нет, а то, быть может, я бы и запел. Но дело в том, что я музыку чувствую, и без неё, как режиссер, я не мыслю спектакля. Ибо кроме ее воздействия на зрителя, она сопереживательна с актерской профессией. И она очень помогает, даже какие-то звуки составляют партитуру спектакля. Эта звуковая партитуру собирает настроение зрителя. Так же как и живописные декорации - я за слово художник, а не дизайнер. У нас в театре, когда открывается занавес зрители аплодируют искусству и культуре художника. С нами уже нет Энара Стенберга, создавшего декорации к водевилю «Таинственный ящик», но зрители по-прежнему аплодируют художнику. Живопись, музыка, шумы, костюмы, время, изображенное в драме или опере, - все это должно присутствовать на сцене. Ибо все это создает русский Театр.

Каждый народ должен иметь свой театр, Давайте жить дружно. Мы сохраняем принципы отечественного театра. Я часто задаю себе вопрос: ну, почему мы под всех подлаживаемся, почему мы такие. А французы - нет, а немцы - нет, а англичане - нет. Мне жалко наших актеров, потому что их подталкивают и наталкивают на то, чтобы наш театр, великий русский театр был похож. Бог с ним, европейским театром.

Когда Малый театр выезжает за рубеж: Германию, Францию, Италию, мы видим, с каким энтузиазмом смотрит зритель наши спектакли. Их интересует, ни как мы под них работаем, а как мы сами работаем, чтобы узнать, что такое русская душа. Хотите верьте, хотите нет, но наши последние гастроли в Японии были феноменальные для нас всех, хотя мы приезжали в эту страну уже в четвертый раз!

- В Японии вы любимый русский актер. Ваше участие в фильме Акиры Куросава «Дерсу Узала» это сыграло свою роль?

- В 1990 году Куросава в буклете рассказывал о предстоящих гастролях Малого театра. Безусловно, он оказал большую честь, поддержку, но если бы мы не отвечали зрителю своим качеством, то трудно было удержаться в течении 12 лет, которые мы туда ездим по несколько раз. В Японии любят Чехова, и нашу последнюю премьеру «Три сестры « мы включили в гастроли по их настоятельной рекомендации.

Малый театр первый выехал в Израиль. Мы показывали «Вишневый сад» в постановке Игоря Ильинского в Иерусалиме. Артисты Малого театра пригласили на спектакль и главу Белой церкви о. Алексея и главу Красной церкви, которого также звали о. Алексей. Они сошлись и сидели рядом. Глава Белой церкви Отец Алексей - огромного роста, он из Австралии, русский, но никогда не был в России. Надо было видеть, как он смотрел спектакль! Он видел Россию! Вот почему у нас цветут деревья. И на сцене деревянный дом - декорация воспроизводила мир русского человека в постановке Игоря Ильинского. И мы видели, как у наших гостей текли слезы...


Истюшина Марина Ивановна