22 ноября народному артисту России Василию Ивановичу Бочкареву исполняется 75 лет. От души поздравляем Василия Ивановича с юбилеем и желаем ему крепкого здоровья, благополучия и еще многих встреч со зрителями на родных подмостках!

В воскресенье, 17 декабря, Малый театр отметит юбилей В.И.Бочкарева спектаклем «Сердце не камень» А.Н.Островского, который специально для этого знаменательного события будет перенесен на Основную сцену. После представления поздравить мэтра выйдут его коллеги и друзья. Начало спектакля в 18:00.

Сегодня же мы представляем вниманию посетителей сайта две записи. Первая – это рассказ театроведа Веры Анатольевны Максимовой о творческом пути Василия Ивановича, а вторая – видеосюжет, состоящий из фрагментов спектаклей с его участием.

Программа "КультПросвет" на телеканале "Татарстан-24" с народным артистом России Василием Бочкарёвым. Разговор о традициях русского драматического театра, основах русской актёрской школы, искусстве перевоплощения, феномене Островского. Ведущая - Полина Кастрицкая.

Дорогие друзья!

Предлагаем вашему вниманию передачу телеканала "Брянская губерния". В гостях у Алексея Хотяновского - народный артист России Василий Бочкарёв

Фрагмент спектакля "Царь Борис" А.К.Толстого

Луп-Клешнин - народный артист России Владимир Богин

Борис Годунов - народный артист России Василий Бочкарев

Запись 2014 года.

Сегодня на вопросы анкеты конторы Императорских театров отвечает Народный артист России Василий Иванович Бочкарёв. Материал опубликован в газете «Малый театр»

1. Сколько нужно времени на то, чтобы актер мог усвоить роль и овладеть ею?

«Усвоить» и «овладеть» для меня очень формальные слова. Мне больше нравится «присвоить». Когда я присваиваю ощущения, ход мыслей, стиль жизни персонажа. Конечно, наши старики писали много о том, что сначала нужно вызубрить текст. Всё это так, но мне кажется, что когда начинается диалог с твоим персонажем, он строится на паузах, ощущениях, приглядке, появляется очень тонкая, интимная связь. Я протягиваю руку для диалога, а мой герой может сразу, а может и не сразу на него пойти. И этот диалог в результате и репетиционного периода, и жизни роли на сцене, длится до того момента, пока спектакль, пьеса, персонаж существуют. Диалог идёт постоянно, потому что меняется и взрослеет актёр. Мы играем некоторые спектакли, например, «Правда – хорошо, а счастье лучше» и «Мнимый больной» по 10-15 лет. И я не помню, каким этот спектакль был раньше. Мой персонаж стал другим – взрослее и мудрее. Как и в кино, работа над спектаклем заканчивается после фразы «Стоп – снято». Стоп – спектакль снят и работе над ролью конец.

2. Сколько нужно времени на перегримировку и переодевание?

Явка на спектакль за 45 минут. Но часто время не играет роли. Можно прийти заранее, но выйти на сцену – и ничего не получится. Можно прибежать, запыхавшись, и моментально включиться. Мне кажется, что всё относительно. Я понимаю перегримировку скорее как внутреннюю перестройку персонажа. Не всё зависит от внешнего грима. Хоть он, конечно, и важен иногда. Взаимоотношения с гримом и костюмом начинаются с того момента, когда мы выходим репетировать на сцену. К этому моменту должен быть обязательно подбор репетиционного костюма, чтобы персонажу было легче родиться. Палитра разнообразна, можно идти от внутреннего, а иногда надел шляпу, и ты готов выйти на сцену. Как Чарли Чаплин – ботинки, тросточка, и он готов к роли. Когда я играл царя Бориса, у меня был серьёзный грим для этой роли, но, опять же, хорошо, когда вместе с лицом гримируется душа, а когда грим сам по себе, а артист сам по себе, это всегда заметно. Многие актеры репетируют в обычном костюме, без грима. А перед выпуском пробуется парик, грим, костюмы – это даёт последнюю точку в понимании и раскрытии образа, это большое подспорье для актера – грим и костюм. У нас в театре очень хорошие цеха, и пошивочный, и гримерный, и костюмерный. Огромное им спасибо и поклон, потому что они за этим очень тщательно следят, помогают и переодеваться, и перегримировываться, шьют костюмы, и многое рождается в роли именно в тот момент, когда из своего костюма ты облачаешься в театральный, гримируешься, видишь себя в зеркале.

3. Участие режиссёра в работе актера и в постановке пьесы.

Без режиссёра, безусловно, очень сложно. Режиссер – это профессия, которая предполагает очень практические знания в области того или иного автора. Режиссёр видит картинку спектакля целиком. Варпаховский говорил, что режиссёр тянет за один конец, а актёр за другой. И вот это натяжение между актёром и режиссёром, как мне кажется, самое главное. Хотя театр сам по себе представляет союз, рождающийся из противоречий двух профессий, актёрской и режиссёрской, но в то же время эта борьба направлена не на разрушение, а на созидание, вот в чём парадокс. Например, для меня на сцене очень важна атмосфера, а только режиссёр может создать её так, чтобы спектакль был целостным. Без режиссёра театр не может существовать. Если говорить о современной режиссуре, то в последнее время для меня абсолютно ясно, что режиссёр начинает говорить о себе и сам с собой. Он даже не пытается соответствовать обращённому к нему ожиданию. Ему всё равно, кто находится в зале, он занимается самовыражением больше чем это необходимо. Но, с другой стороны, в актёрской профессии нужно быть в курсе и следить за развитием режиссёрского искусства, чтобы не упустить эту ниточку между актёром и режиссёром, о которой говорил Варпаховский. «Соавторство», «сотворчество», «сопричастность» – вот слова, которые определяют эти взаимоотношения.

4. Ваше отношение к театральной критике.

Я считаю, что критик необходим. Он тоже участник спектакля, как бы мы ни противились критической оценке со стороны. Иногда критик высказывает своё мнение, исходя из своего видения, как бы он это сделал. Но это проблема многих критиков, которые, выходя на определённый уровень профессии, начинают консультировать. Они обсуждают не то, что видят, а что хотели бы увидеть. Чтобы поберечь нервную систему, Дикий читал критику, лёжа в гамаке на даче. Критические статьи очень интересны, но не когда они пересказывают сюжет, а когда рассматривают спектакли с точки зрения выбора автора, времени написания пьесы и воплощения, не основываясь на личной фантазии или на опыте виденных раньше спектаклей. И всё-таки при всём этом критик может очень точно подсказать. Поэтому я за сопричастность, за соавторство. Без критики театрального искусства быть не может. Я не могу говорить, что меня не задевают статьи, когда меня в них ругают, обижают или, что ещё хуже, не замечают. Зато когда хвалят, то это приятно.

5. О зрителях.

Тут я могу процитировать Михаила Чехова: «Путём ряда мыслей я вызываю в себе любовь к публике и на фоне этой любви могу в одно мгновение овладеть образом». То есть выходить на зрителя нужно с расположением на сегодняшний вечер, на этот момент общения, и с пониманием того, что зритель – соучастник этого вечера, и он тоже партнёр. И к нему нужно относиться с уважением. Мы слышим зал, мы его чувствуем, он нам необходим. Он каждый вечер разный, а когда мы приезжаем на гастроли, то зритель в зале всегда с оттенком того города, где мы играем. Так что к зрителю – с любовью!

Записала Дарья Антонова

3 декабря исполняется 80 лет со дня рождения заслуженного артиста России Александра Константиновича Вахтерова (1936 – 2011). О своем коллеге вспоминает народный артист России Василий Иванович Бочкарёв.

«Если говорить, что театр – это храм, то для Саши Вахтерова это была религия»

В 1960 году мы вместе с Сашей Вахтеровым поступили в Щепкинское училище, где занимались у замечательных педагогов – Виктора Ивановича Коршунова, Юрия Мефодьевича Соломина, Павлы Захаровны Богатыренко. И надо сказать, что Александр до самого последнего дня пронёс в сердце эти имена с глубоким уважением и благодарностью. Саша – самый старший на курсе, но при его абсолютной органике разницы в возрасте никто не ощущал. Он, конечно, уже был заражён театром, потому что успел поработать актёром вспомогательного состава в «Современнике», и он вкусил эту студийность, азарт построения театра. Все ему очень завидовали. Несмотря на свой опыт, Саша был таким же студентом, как и мы. Никаких наработанных штампов – он с нами проходил актёрскую азбуку как в первый раз.
После окончания училища мы все разошлись, разбежались. Я пошёл по своей тропке судьбы, Саша – по своей: работал в Литературном театре ВТО, в Театре на Покровке.
В 1995 году мы неожиданно встретились у Малого театра. Давно не виделись, очень обрадовались друг другу. Заговорили о русском психологическом театре, о том, как нам повезло заниматься драматическим искусством… И вдруг возникла такая маленькая пауза: мы поняли, что стоим около памятника Александру Николаевичу Островскому, и он нас внимательно слушает. И вот тут родилась идея – я предложил Саше: «А что, если тебе придти в Малый театр? Я переговорю с Виктором Ивановичем – а вдруг?» Он загорелся: «Ну, давай попробуем!» Я переговорил с Виктором Ивановичем, и тот сказал: «А что, это вполне возможно! Я поговорю с Юрием Мефодьевичем». И как-то органично, безо всякого напряжения, Александр Константинович Вахтеров оказался в Малом театре. И тут же занял своё место, как будто давно его ожидавшее. Сашины роли были небольшого объёма, но каждая в его исполнении становилась маленьким шедевром. Я с большим удовольствием вспоминаю «Дельца», где он играл Бершю, – с какой отдачей, с какой чистотой и преданностью Саша работал! Это отличало его во всех спектаклях.
А теперь я хочу вернуться к самому началу, вспомнить театральное гнездо, которое находилось в Камергерском переулке. Это был его дом, где мы дневали и ночевали в студенческие годы. Иногда засиживались допоздна, готовясь к экзаменам, – Сашина мама стелила на полу, и мы оба укладывались спать, утром вставали и шли в училище. Необыкновенное, замечательное время!
Главой семьи был один из выдающихся наших актёров – Константин Васильевич Вахтеров. Саша с отцом напоминали диккенсовских Домби и сына.
В маленькой комнате стоял магнитофон, и мы, первокурсники, собирались и слушали Шаляпина, Яхонтова, Качалова. Константин Васильевич работал во 2-м МХАТе, в Театре водного транспорта, в Литературном театре ВТО, в Пушкинском театре. Он часто рассказывал об актёрах МХАТа, особенно о Качалове и Москвине. Сколько он читал нам, студентам, стихов – и как читал! Это был действительно великолепный чтец. В замечательной книжке «МХАТ Второй. Опыт восстановления биографии» я нашёл маленькую запись про Константина Васильевича, где есть очень хорошая фраза: «Дух бродяжничества был заложен в его актёрской природе». Это особая каста артистов: всем своим существом они должны быть в дороге, в движении. Каждый год семья Вахтеровых уезжала на водохранилище, на озёра. Ставили палатки, и всё лето там жили. Этого бродяжничества нам, актёрам, порою не хватает. У Саши оно было связано не только с театром, но и с окружающей жизнью, с природой, которую он безумно любил. Александра не загружала тяжесть актёрской профессии – она порой может прижать к земле. А Саша был свободен.
Всё, что связано с красотой, с поэзией, он получил в наследство от родителей. Сашина сестра тоже работала в театре, в Минске. Вся семья находилась под крылом таланта Константина Васильевича. Актёрство никогда не являлось для них просто профессией. И если говорить, что театр – это храм, то для них это была религия. Когда я думаю о Константине Васильевиче, я даже не могу себе представить, чтобы он участвовал в каких-то интригах. Ему легче было бы уйти – так же, как и Саше.
Я вспоминаю Константина Васильевича добрым словом, потому что он нам открыл, что так и нужно жить, когда всё настолько просто, но эта простота была возвышенной: чуть больше тепла, заботы, любви, внимания... Интонацию, заложенную отцом, Саша пронёс через всю свою жизнь. За это, наверное, его в театре и любили.

Записала Ольга Петренко.

К 75-летию со дня рождения Виталия Соломина

12 октября, Дом-музей М.С.Щепкина
Фоторепортаж Сергея Милицкого

Напоминаем, что выставка продлится до 16 декабря.

Адрес: 129110, Москва, ул. Щепкина, д. 47, стр. 2 (ст. м. Проспект Мира)

Телефон: +7 /495/ 600 6149
Время работы: Среда, четверг: 13.00 — 21.00
Часы работы кассы по средам, четвергам: 13.00 — 20.30
Пятница, суббота, воскресенье: 12.00 — 19.00
Часы работы кассы: 12.00 — 18.30
Выходные дни: понедельник, вторник
Санитарный день: последняя пятница месяца

[GALLERY:275]

Дорогие друзья!

Предлагаем вашему вниманию запись передачи «В Большом городе» на радио «Образ» (Нижний Новгород) с участием народных артистов России Василия Бочкарева и Владимира Драгунова. На сцене Нижегородской драмы Малый театр показал спектакли "Сердце не камень" А.Н. Островского и "Наследники Рабурдена" Э. Золя. Разговор пойдет о постановках театра и об особенностях современной театральной жизни. Ведущая Валентина Глинина.

Слушать запись передачи

«Сердце не камень» в Государственном академическом Малом театре

Александр КОЛЕСНИКОВ, «Proscaenium. Вопросы театра», №3-4 2015

«Сердце не камень» Александра Островского вновь на сцене Малого театра, - пьесы здесь не было более пятидесяти лет. Сменилось несколько поколений артистов и зрителей. Сценическая традиция, если она и имелась, утрачена. Ни пересматривать нечего, ни опереться не на что - нет мифологем. Соответственно нет и штампов. Действия интерпретаторов направляются лишь загадками самой пьесы, которые не раз в ее сценической истории обнаруживали себя. Ощутимы они и сейчас - как творческие, исполнительские, так и в более общем плане, как взгляд на русскую духовную феноменологию.
Автор оставил в наследство много неопределенностей, расшифровка которых сама по себе драматургична.
Сердце не камень - к кому относится?
К героине, которая стоически, по-христиански терпела многие злоумышления и сжалилась над своими мучителями, отпустила всех с миром и прощением? К жестокосердному Потапу Каркунову, перед смертью осознавшему собственную жизнь, как сплошное надругательство над человечностью и запросившему прощения: «Поручаю душу мою богу...»? Или к Ерасту, который позволил втянуть себя в интригу против любимой женщины, а потом вышел из игры с раскаянием?
При этом «Сердце на камень» соткана из тем и фигур предшествующего творчества Островского, и мы видим их свободное обращение. Ераст, который выслушивает поучения больного на всю голову хозяина, - ну, чистый Егор Дмитриевич Глумов за конторкой, в разговоре с богатым дядюшкой. Он же, Ераст, прячет в смежной комнатке некстати оказавшуюся у него Ольгу, как тот же Глумов - Мамаеву при появлении внезапно нагрянувшего Голутвина
(Кстати, Василий Зотов - нынешний исполнитель роли Глумова в Малом театре).
Вера Филипповна старательно погружается в расчеты за своим столиком, подобно Купавиной; Константин, алчный племянник, съеденный мыслью о дядиных миллионах, что уплывают из рук, - одноприроден Мурзавецкому. Наконец, сам Каркунов, угрожающий пистолетом жене, как будто бы отсылает нас к Карандышеву: «Так не доставайся ж ты никому!». Есть тут свои волки и овцы, свои мудрецы и стряпчие, вся портретная галерея, которая отчасти провоцирует театр сыграть собирательную пьесу Островского.
Спор о завещании миллионного состояния купца Каркунова включен в интригу против прекрасной женщины - его жены Веры Филипповны. И то, что она прекрасна и чиста придает особый оттенок всей грязной истории. Возникает дополнительная, а по сути главная, оппозиция человеческого благородства и злого уродства. В более обобщенном виде это вполне спор Добра и Зла, только на пространстве более камерном, менее заметном и эпичном, чем на романных просторах Достоевского. Но сходный по своей сути. И фраза главного героя даже на лексическом уровне указывает причину его острой спешки: «Выкупать надо душу-то из аду кромешного».
Всевластный миллионщик Каркунов, человек с каменным сердцем еще вполне управляющий ситуаций и людьми вокруг себя - фабрикой и домочадцами, - почуял близость конца. Физического или морального - не важно. Но более всего в плане некой расплаты за неправедное прошлое. Чисто русское покаяние, застает героя внезапно и ранит глубоко, после чего он начинает обратный отсчет прожитой жизни. Все это вслед за Островским воспринято и воплощено артистом Василием Бочкаревым крупно и как бы безмотивно. Мы не знаем, почему вдруг душа его Потап Потапыча надорвалась и запросилась к очищению - видно, срок ей пришел. По русской литературной традиции - никаких внешних причин и быть не должно, чтобы человек стал готовиться к великому предстоянию. Внезапность, внешняя безмотивность и глубокая внутренняя причинность удивительно переданы артистом. И удивительно, каким не простым оказывается очистительный шаг героя. Спорадическое движение роли у Бочкарева и есть одновременно страдательный, пафосный, истерический, карикатурный до юродства путь к просветлению (поначалу - хоть какому-то). Провозгласить благочестие как цель и враз стать благочестивым не дано, это было бы слишком легко. Так он поначалу и мыслит, распределяя миллионные средства на молитвы за спасение собственной души. Эти мотивы, совсем недавно талантливо разработанные выдающимся артистом Малого театра на материале Достоевского (Фома Опискин в «Селе Степанчикове и его обитателях»), здесь сгущаются, достигая степени мощного актерского высказывания. Оно распределено и возрастает по всей роли, но сконцентрировано в финале. В наступающих сумерках, которые постепенно поглощают богатый дом Каркунова, Потап Потапыч быстро-быстро бормочет молитву, боясь не успеть дочитать до конца, пятится вглубь сценического пространства... Слова Священного Писания наползают одно на другое, почти неразличимые; фигура героя как будто бы уменьшается в росте, тонет в полумраке; в последней мольбе душа человека жаждет упредить уход бренного тела.
Внешние причины каркуновского внутреннего переворота рассыпаны по пьесе, но режиссер-постановщик Владимир Драгунов их собирает и концентрирует.
Спектакль свидетельствует (намекает) об исчерпанности определенного человеческого типа, о наступлении иного культурно-исторического, цивилизационного этапа в жизни России. На сцене уже не дремучий купеческий (домашний, лавочный) быт Самсон Силыча Большого, Дикого, Лютова, им подобных... Есть ощущение оконченное и распада традиционного уклада жизни, рождении (вторжении) новой культуры и новых людских отношений. В оформлении Марии Рыбасовой решительно изменен интерьер каркуновского дома. Мы попадаем в удивительное по своей элегантности жилище - с многоцветными стеклами-витражами, пластикой и фактурой, мотивами и линиями стиля модерн. Преодолена патриархальная тяжесть. Планировка широка и свободна, не стиснута обязательствами перед темным царствованием хозяина, начинавшего свое дело лет тридцать-сорок назад. Сегодня его сейф, как и прежде, полон, но оснащен тайной «тревожной кнопкой», при нажатии которой фабричные мгновенно примчатся и расправятся с грабителями. В доме имеется телефон (здесь спектакль даже обгоняет время). Разорившийся и опустившийся племянник хозяина - Константин Каркунов «прилюдно» и многократно принимает наркотики. Артист Глеб Подгородинский вполне современно, со знанием дела процедуру демонстрирует, высыпая порошок на тыльную сторону ладони, втягивая его носом, немедленно обнаруживая прилив бодрости и новых (идиотских) помышлений по дискредитации Веры Филипповны и захвата состояния, принадлежащего ей по закону. Поскольку эта деталь (формально - игра с предметом) настойчиво повторяется, то можно сказать, что во многом от нее возникает сама манера поведения персонажа. А именно: Каркунов-младший действует вроде бы целенаправленно, но в то же время как бы и в безобразном бреду, что сказывается в его пластике, непрестанной динамике, в захвате пространства - ближних и дальних планов сцены; в метаниях от стола к столу, от двери к двери, от партнера к партнеру... Редкий случай рождения в драме почти балетной партии, которую в Большом театре мы бы назвали гротескной. Неутомимость движений, эмоциональный «завод» талантливого Подгородинского увлекают, но, манипуляций с наркотическим порошком, «балетности», пожалуй, и многовато, чересчур для Островского.
Намеренный стилистический сдвиг пьесы - из указанного автором времени в более позднее, почти предчеховское, - рождает ряд режиссерских инициатив. Исчезла, например, ключница - старуха Огуревна, из вечных хранительниц (хранителей) русского дома - кто чай подаст, уложит, угомонит домочадцев, присмотрит за вещами и хозяевами. Подобные персонажи написаны, сохранены и поздним Островским. Но в спектакле Владимира Драгунова, видимо, померла Огуревна от долгого служения дому, который теперь управляется Человеком (так обозначено в программке). Неразговорчивый и решительный, он ловко владеет длинным бильярдным кием; без слов, кивком головы, согласно воле хозяина, устанавливает начало и конец пребывания посетителей, - физически надежный сотрудник, своего рода, тайная полиция Каркунова. Артист Станислав Сошников в минималистской манере сумел многое рассказать об укладе Дома и «фобиях» хозяина, более всего - о под ступившем к горлу страхе, который заставляет купца прятаться в дальних комнатах, поручив место своего обитания неусыпной охране Режиссерская находка лаконична, убедительна и к месту.
Молодые герои - Вера Филипповна - Лидия Милюзина и приказчик Ераст - Василий Зотов живут в новом культурном пространстве и его представляют. Одетые с иголочки и со вкусом они как бы подняты на подиум. Внешне - почти идеальны. Но главное - они другие, чем их окружение. (Переход от вековечной купеческой архаики к новейшей эстетике - 1900-х годов - демонстрируют костюмы Оксаны Ярмольник).
Строгая, замкнутая, неизменно серьезная, ни разу не улыбнувшаяся Вера Филипповна - Милюзина одной из моих коллег по профессии напомнила учительницу младших классов. Неплохое сравнение, если призвать на память русских женщин более позднего, чем у Островского, времени, почитавших долг учительства достойным и едва ли не единственно возможным в среде, где нравственные основы необходимо удерживать, в их поддержку проповедовать, а может быть, им учить. Так или иначе, но опасной ходульности в роли актриса избежала. Нет ничего назидательного в ее разговорах и общении с партнерами. Похоже, что с гнетом и грехами мужа и его среды она борется личной безупречностью и чистотой, собственным поведением, умом и женским достоинством. Ее сила в странном сочетании - смирения и неколебимости в поступках и жизненных правилах.
С какой радостью ее «ловят» муж, родственники и знакомые, ожидая, готовя ее падение, чтобы она стала вровень со всеми! Но она другая - актриса это передает. Ее инакость - еще и в красоте, подкрепленной нравственной силой, которая, однако, могла быть выражена сильнее, рельефнее проявиться в
сценическом поведении героини - диалогах, реакциях. Жаль, но почти исчезла глубокая религиозность Веры Филипповны, ее православная вера, у Островского - истовая и поэтическая. Режиссеру, а следовательно, исполнительнице, молодая супруга купца Каркунова видится в будущем чуть ли не горьковской Вассой Железновой. (Поэтому во второй половине спектакля у нее - неожиданно - очки на носу; хозяйственная сосредоточенность, уверенность, почти увлеченность в обращении с деловыми бумагами и деньгами). Что ж - возможно и такое... В решениях и прочтениях своих пьес «необъятный» русский гений - Островский многое допускает. Но хотелось бы большего разнообразия в роли, несколько монотонной; а еще - мягкости, женственности, трогательности, что не так уж и сложно для Лидии Милюзиной, одной из самых красивых и способных молодых актрис Малого театра.
Повторим, что исполнительская традиция пьесы и главной роли скудна, и почти не сохранилась даже в Малом театре, бережливом по отношению к своему прошлому, даром, что Веру Филипповну играли Федотова и Ермолова. Наш знаменитый критик и театровед Борис Владимирович Алперс, писал, что текст Островского многозначен настолько, что откроется лишь через сотворчество автора и режиссера. Спустя пятьдесят с лишним лет после последней постановки «Сердца не камень» в Малом театре (1954), мы снова приходим к тому, что перед нами не «пьеса жизни» в ее классическом понимании, а одна из русских нравственных утопий, авторская установка которой каждый раз должна входить в контакт с меняющимися историческими, духовными и культурными реалиями времени.
Ераст в спектакле - фигура примечательная, но смутная и словно бы не договоренная. Будучи лицом подчиненным, как и Вера Филипповна, в исполнении Василия Зотова он ни в коей мере не выглядит забитым и подавленным. Артист обозначает «дистанцию огромного размера» между ним и его прямыми предшественниками из театра Островского - приказными подхалюзинского толка. Весьма привлекательный, хорошо воспитанный молодой человек заметно отстранен от обитателей Дома, не скрывает своего превосходства над ними, - над глупым племянником Каркунова - в особенности. Страха перед жестоким
озорником-хозяином у него нет. И внезапное решение самодура не отдавать конторщику честно заработанные им деньги - не потрясает.
Его трудно заподозрить в черном коварстве Кажется, и сам он до поры этого в себе не подозревает... Вопрос зачем этому молчаливому, смелому молодому человеку интрига против женщины, которая не сделала ему ничего плохого? Нет ответа...
Что здесь? Легкомыслие? Временное помрачение? Мщение за отобранные деньги? Или пробывший в доме Каркунова немалое время он уже проникся цинизмом к людям, к «святой» хозяйке в том числе, которую не любит, а по привычке красавца - мужчины, (у Островского очарователя, «шармера» по амплуа) пробует соблазнить? Роль балансирует между двумя вариантами - вроде бы подлец, а вроде и раскаявшийся грешник. В спектакле чуть теплится вера в его обращение. Но чаще всего, он Веру Филипповну поучает.
Отказываясь от огромного наследства и признаваясь мужу в том, что не выполнит его требования - остаться вечной вдовой, она не называет имя избранника. Исходя из этого театр дает понять, что героиня если и выйдет замуж, то необязательно за Ераста, явившегося под занавес блестящим молодым человеком нашедшим отличное место с хорошим заработком. (Как новое искушение безгрешной Веры Филипповны). Выходит, что ее признание мужу, лишь опасный «тест», уготованный напоследок себе и ему, который вызовет последнюю вспышку ярости Каркунова. Театр явно склоняется к такому решению. Вот только интересно ли, увлекательно ли оно?
В спектакле, поставленном по пьесе где речь идет о «сердце», которое - «не камень» у обоих молодых героев нет ни любви, ни страсти, ни чувственного влечения. Любит, ревнует жаждет мести, едва не убивает жену, молит о прощении один лишь старый Каркунов - Василий Бочкарев.
Вера Филипповна печальна и строга, к финалу - деловита. Ераст выглядит элегантным, красивым «сухарем». От этого и спектакль «сух». Можно считать пьесу Островского и странной, и недоговоренной, и загадочной, но никак не малодейственной. Жизнь в ней делает самые неожиданные повороты, персонажи возносятся и падают, и не только нравственном смысле, айв жизненно-конкретном.
Острые сюжетные положения, завязка интриги - ловушки для молодой простодушной женщины, саморазоблачение злодеев играются бегло, в проброс, «обозначаются», как будто бы не заслужив особых сценических усилий Кульминации пропущены, все течет ровно и однообразно.
Из второстепенных персонажей одни (умный, ироничный, циничный Исай Халымов - Владимир Дубровский с женой Апполинарией - Ирина Жерякова) сыграны лучше Другие (неверная супруга младшего Каркунова Ольга - Наталья Калинина, Иннокентий странник - Георгий Вавилов) хуже. Ирина Жерякова спасается мастерским характерным портретированием своей бывалой и опытной, несмотря на молодой возраст героини. Но все перечисленные - лишь бытовые фигуры, не слишком связанные с основным действием.
Жаль молодых артистов: работали - работали, текст выучили, а зачем - не понятно. Актеры проговоривают ситуации, а не разыгрывают их, не претворяют в действие и переживание Режиссер как будто надеется, что старая пьеса вывезет «сама собой».
Сюжет излишне просто подходит к финалу Зрителю «доложены» итоги. Звучат проникновенные слова Островского, но у молодых исполнителей театр живого человека, света и добра не возникает. Нравственная утопия Островского, искавшего, как и Достоевский «абсолютно прекрасного человека» и находившего его на подмостках русского Театра, читается лишь благодаря замечательному Василию Бочкареву.
Спектакль укрепляет нас в мысли, что пьеса познана лишь на уровне текста, хотя известно что добросовестное считывание слов не гарантирует серьезного художественного результата и живого современного отклика.

Любите смотреть классику, разыгранную «по всем правилам»? Не пропустите премьеру спектакля Владимира Драгунова по поздней пьесе Островского «Сердце не камень».

В Малый театр ходят за традицией. Здесь ставят по тексту, играют по Станиславскому. Костюмы любят аутентичные, антураж — эффектнейший и подробный. В «Сердце» вся сцена затянута в бархат изумрудного оттенка, хорошо видны старинный сервант с секретом, кофейный столик и стулья с резными спинками. Богатый дом купца Потапа Потапыча Каркунова радует глаз, но не сердце. Хозяин — редкий самодур. Держит молодую жену взаперти и всерьез раздумывает, не оставить ли ее после своей смерти ни с чем.

Хитроватый, грубоватый и... харизматичный до мурашек. Фирменное актерское обаяние Василий Бочкарев переносит на своего героя — и потому «плохой» Каркунов выглядит самым искренним и самым живым персонажем. Озорничать начинает с первой сцены — вот он выбирает на гроб покров «к лицу». Вот предлагает раздать деньги церковнослужителям, чтобы те его «отмолили». А здесь увлеченно ест курицу, отчитывая племянника за нерадивость.

Само собой, выходя на сцену, «первач» труппы затмевает собой партнеров по сцене. Но тем значимее факт, что все задействованные в спектакле артисты играют «в голос». Не всем хватает внутренней свободы и куража, но неживыми их персонажей назвать никак нельзя. А пьеса к этому располагает, — в ней, увы, много нравоучительного пафоса и наивностей (пусть и завуалированных). Транжира-племянник, целомудренная жена, миллионные долги, хитрые интриги.

Вера Филипповна только в самом финале решится на непокорность — умирающий супруг в обмен на дарственную требует обещания никогда более не выходить замуж. Она отказывается. И Каркунов внезапно прозревает и чуть не плачет от умиления. Что хотел сказать таким финалом Островский, а вслед за ним режиссер Драгунов? Не в деньгах счастье? Доброта и честность в конечном итоге побеждают богатство и хамство? Честно признаться, неясно. Но верить хотелось бы, это да.

Наталья Витвицкая, «Ваш досуг», 29 декабря 2015

«Сердце не камень» А.Н.Островского, Малый театр, 10 января

Образцово-показательная мелодрама по пьесе Островского, разыгранная строго по сюжету и безо всяких «концепций». В центре событий — хорошая жена (нежная Лидия Милюзина) нехорошего купца-дельца-душегуба (еще одна блестяще сыгранная роль Василия Бочкарева). Она борется с соблазнами, но ее подстрекатели куда коварнее, чем можно предположить. Малый театр верен себе: отдельное удовольствие от его спектаклей — фантастически красивая сценография (на сцене — дом богача в «разрезе») и пышные костюмы.

Культура Москвы

6 декабря стали известны итоги XIII Международного театрального форума «Золотой Витязь», в рамках которого Малый театр показал свою последнюю премьеру – комедию А.Н.Островского «Сердце не камень» в постановке Владимира Драгунова.

«Золотыми дипломами» форума были отмечены:

- Государственный академический Малый театр за сохранение традиций реалистического психологического Русского театра

- народный артист России Василий Бочкарёв за роль Потапа Потапыча Каркунова в спектакле «Сердце не камень» А.Н.Островского

- заслуженный артист России Глеб Подгородинский за роль Константина Лукича Каркунова в спектакле «Сердце не камень» А.Н.Островского

- народный артист России Владимир Дубровский за роль Исая Данилыча Халымова в спектакле «Сердце не камень» А.Н.Островского

- художник по костюмам Оксана Ярмольник, спектакль «Сердце не камень» А.Н.Островского

- художник-постановщик Мария Рыбасова «За лучшую сценографию», спектакль «Сердце не камень» А.Н.Островского

С огромной радостью и удовольствием поздравляем дипломантов и всех, кто работает на спектакле, с этой творческой победой!

6 декабря на сцене Государственного академического Малого театра (Большая Ордынка, 69) состоится представление 200-го спектакля «Правда – хорошо, а счастье лучше».
Эта постановка, созданная по одной из лучших пьес А.Н.Островского, наполнена музыкой и светом, светлой грустью и добрым юмором. Спектакль пользуется признанием театральной общественности и большой зрительской любовью, как на родных подмостках, так и во время многочисленных гастролей по стране. Составляющие его успеха – тонкая режиссура Сергея Женовача, сценография Александра Боровского, со вкусом созданные костюмы (художник Оксана Ярмольник), изящное музыкальное оформление (композитор Григорий Гоберник), великолепная литературная основа, и, конечно же, превосходные актёрские работы.
«Правда – хорошо, а счастье лучше» удостоена множества престижных наград, в числе которых Государственная премия РФ, «Золотая маска» за лучший актёрский ансамбль, премия СТД «Гвоздь сезона».
От всей души поздравляем коллектив спектакля, в особенности бессменных исполнителей своих ролей Василия Бочкарёва, Евгению Глушенко, Людмилу Полякову, Глеба Подгородинского и Виктора Низового с замечательным юбилеем и желаем дальнейших творческих успехов!

Малый театр, «Мнимый больной» Ж.Б.Мольера

Комедия Мольера, поставленная Сергеем Женовачем как блистательный бенефис Василия Бочкарева. Никаких жестких режиссерских концепций и радикальных внешних решений. Все внимание — характеру брюзжащего отца семейства Аргана. Обычно его играют злобным тираном, Бочкарев же выстраивает совсем другой образ — очаровательного стареющего ребенка. У его семьи появились собственные интересы, а ведь он привык быть центром их маленькой вселенной. Вот и притворился больным, чтобы никто далеко не уходил. Безобидная игра смотрится свежо, весело и очень по-французски — как если бы ее играли в «Комеди Франсез».

Возрастное ограничение: 12+
22 декабря
Малый театр
Билеты: 200–3500 руб.

КУЛЬТУРА МОСКВЫ

За пьесой «Сердце не камень» закрепилась слава загадочной и коварной. Насыщенная неожиданными сюжетными поворотами, населенная яркими персонажами, написанная с виртуозным мастерством «печальная комедия» А.Н. Островского, несмотря на свою богатую сценическую историю, не знала безусловных побед. Тем интереснее выглядит каждая новая попытка разгадать сокрытый в ней секрет и решить задачу с тремя неизвестными – стариком Каркуновым, его молодой женой Верой Филипповной и влюбленным в нее приказчиком Ерастом. На фоне поисков современного театра, максимально откровенного и оголенного, классическая постановка Владимира Драгунова с роскошными декорациями, стильными костюмами и подробным психологическим рисунком выглядит почти что вызовом. «Сердце не камень» в Малом театре решена в редком жанре «драмы невыраженных чувств», где важны каждое недосказанное слово, каждая пауза, а поцелуй руки выглядит как наивысшая точка любовного откровения. При этом наблюдать за тем, как вслепую движутся навстречу друг другу скупая на эмоции, строгая Вера Филипповна Лидии Милюзиной и переменившийся под воздействием нового чувства горе-ловелас Ераст Василия Зотова, захватывающе интересно. Другим полюсом постановки становится разнузданная шайка негодяев и гуляк под предводительством хозяина дома – сыгранные размашисто и сочно племянник Каркунова Константин Лукич (Глеб Подгородинский), странник Иннокентий (Георгий Вавилов), периодически взывающий к совести старика, кум Каркунова Халымов (Владимир Дубровский) и сам Потап Потапыч, словно сошедший со страниц романов Достоевского. Нарочито крикливый, постоянно паясничающий и разыгрывающий перед домашними «спектакль», купец Каркунов Василия Бочкарева выглядит родным братом папаши Карамазова: так же шантажирует домашних будущим наследством, так же глумится над безропотной женой, безнаказанно грешит и до смерти боится Божьей кары. Он не лишен приступов просветления, но далек от раскаяния. Вот почему в финале, после шокирующего признания жены, когда этот великий игрок молится Богу, искоса подглядывая за реакцией окружающих, зрителя не покидает ощущение, что партия Каркунова до конца не проиграна.

Алла Шевелева, «Театральная афиша», декабрь 2015

Смотреть запись на сайте журнала «Театрал»

Репортаж телеканала «Культура»

В Малом театре – первая премьера сезона. Александр Николаевич Островский, «Сердце не камень». Со времени премьеры в 1879 году к этому тексту в Малом театре, в Доме Островского, обращаются всего только пятый раз. Последняя постановка была в середине прошлого века. Вообще сценическая история пьесы, в отличие от других сочинений Островского, успешной не была. Спектакль довольно быстро уходил из репертуара. Критики обычно винили исполнителей, даже самых знаменитых. Исполнители 2015 года делают очередную попытку «обуздать» упрямую пьесу.

«Сердце не камень» ставят редко, называют пьесой сложной, слишком нравоучительной и при этом загадочной. Постановки не раз проваливались. Режиссер этого спектакля Владимир Драгунов считает, дело в том, что эта пьесу нельзя понимать прямолинейно. Читать нужно между строк.

«Ее нельзя причислить к обыкновенным пьесам Островского. В ней есть тайна. Она очень ощутима. Ее не так просто разгадывать – это ребусы я бы даже сказал. Там есть шифр. В этой пьесе присутствует и интонация Достоевского, и предчувствие чеховской драматургии. Мне кажется, пьеса во многом итоговая», — убежден заслуженный артист России Владимир Драгунов.

Текст полон размышлений о смысле жизни. При этом свои не самые веселые мысли Островский представляет в жанре комедии. Пружина всего действия – вопрос о наследстве. За него идет борьба, плетутся интриги. У владельца состояния — на деньги собственные планы. Надеется своим состоянием расплатиться за грехи. Готов раздать все, чтобы отмолили его душу.

«Как привести душу в порядок и как с ней разобраться, со всем тем, что в жизни с тобой произошло, потому что нужно держать ответ перед богом. Это очень современно. Есть много денег. У меня есть все. У меня есть нефтяные вышки, у меня есть газовые колонки. Все есть. Однако я не спокоен», — объясняет народный артист России Василий Бочкарев.

У купца — молодая жена. Бедную девушку Веру Филипповну выдали замуж, когда ей было 15 лет. В доме мужа она томится. Любви к нему не испытывает, но верна своему долгу. Деньги не принесли ей счастья. Артисты считают – это самая актуальная пьеса русского классика.

«Очень много несчастливых семей. Когда люди живут вместе по каким-то причинам, не любя друг друга, в силу каких-то обстоятельств жизненных или из чувства долга, из чувства вины – масса тому примеров. Поэтому, мне кажется, что это актуально во все времена», — уверена актриса Малого театра Лидия Милюзина.

Создатели постановки считают — в этом тексте можно вычитать отношение Островского к любви, дружбе, к сильным мира сего, но обо всем этом он не пишет прямо, не дает прямых ответов.

«Культура», 16 октября 2015 года

В Малом театре первая премьера сезона – спектакль по пьесе А. Н. Островского «Сердце не камень». Роль купца Каркунова исполняет народный артист России Василий Бочкарёв, с которым беседует ведущая программы Нара Ширалиева.

Смотреть запись передачи

16 октября в 19:00 в Малом театре (сцена на Ордынке) состоится первая премьера нового сезона – комедия А.Н.Островского «Сердце не камень». Постановка режиссера Владимира Драгунова станет пятой по счету интерпретацией этой пьесы великого русского драматурга на сцене Малого.

Сюжет на первый взгляд прост и незатейлив: богатый купец болен и хочет составить завещание, но его гложут сомнения, кому оставить свое нешуточное состояние – молодой жене, ленивому племяннику, бедным, чтобы ежедневно поминали его в молитвах? История, как, впрочем, всегда у Островского, современна и созвучна любому времени. В исполнении Василия Бочкарева купец Каркунов не просто капризный самодур, а делец, оригинал и коллекционер, наживший богатство благодаря мудрости, азарту и хитрости. Лишь перед лицом внезапной болезни он спасует и, подтачиваемый жадными до денег родственниками, усомнится в чистоте и верности своей жены (Лидия Милюзина). Молодая женщина ведет скромный затворнический образ жизни, не принимая ухаживаний со стороны, но совесть не позволяет ей солгать мужу и сказать, что после его смерти она больше никогда никого не полюбит. В чью пользу Каркунов решит завещание, остается загадкой до самого конца спектакля.

В спектакле заняты народные артисты России Василий Бочкарев и Владимир Дубровский, заслуженные артисты России Глеб Подгородинский и Василий Зотов, артисты Лидия Милюзина, Ирина Жерякова, Наталья Калинина, Георгий Вавилов и Станислав Сошников.

Режиссер-постановщик – заслуженный артист России Владимир Драгунов.
Художник-постановщик — лауреат Государственной премии России, народный художник России Мария Рыбасова.
Композитор — народный артист России Григорий Гоберник.
Художник по костюмам — Оксана Ярмольник.

В Санкт-Петербурге прошёл фестиваль комедийных спектаклей «Виват, Комедия!». Он был организован под эгидой самого известного петербургского театра этого древнейшего жанра – Театра комедии им. Н.П. Акимова. В фестивале участвовало больше 10 театров, он приобрёл международный характер: помимо российских театров на этот раз в гости к петербургской Талии приехали театры Армении и Чехии.

Нельзя сказать, что комедия обделена вниманием современного театра. Напротив, множество комедийных спектаклей идёт по городам и весям нашей страны, ибо трудности бытия и быта зритель хочет забыть хотя бы на те три часа, что проводит в залах «больших и малых» театров. Но это, как правило, комедии положений и ошибок, непритязательные нагромождения потешных ситуаций, иногда – юмор на грани фола и реплики на опасном краю пошлости. Рэй Куни и подобные западные комедиографы кормят не один академический театр в нашей стране! Впрочем, комедии не везло с самого начала: ещё Аристотель в своей «Поэтике» предположил, что «смешное – это часть безобразного», а на комедию сначала (по выражению мудрого древнего грека) «не обращали внимания». Комедия прошла множество этапов своего классического становления: шекспировский, мольеровский, комедия плаща и шпаги, буржуазно-развлекательный «бульварный» этап ХIХ столетия, наконец, комедия-драма, трагикомедия со слезами на глазах у Чехова, советская лирическая и сатирическая комедия… Нельзя сказать, что современные авторы забыли комедию, скорее театр обращается к ней в основном как к средству заработка и привлечения зрительской массы. Социальная комедия, исследование общества острым пером сатирика, заглядывание в души через увеличительное стекло комического, человечный юмор, беспощадный гротеск – вот этого явно недостаёт нашим академическим и неакадемическим сценам. Особенно остро ощущается нехватка современной русской комедии…

И в этом смысле любое начинание в области комического, а тем более целый фестиваль, идущий больше недели на разных площадках города, – это событие не только театральное, но и общекультурное.
Помимо спектаклей на фестивале состоялись выставка и конференция. В недавно отреставрированном фойе четвёртого этажа театра открылась выставка, посвящённая юбиляру нынешнего года Георгию Товстоногову и основателю недавнего юбиляра (Театра комедии) Николаю Акимову. Никто не скажет, что их связывало их в земной жизни, но о том, что эти два крупнейших режиссёра Ленинграда были театральными символами (как сейчас принято говорить, брендами) нашего города, никто не поспорит. Выставка представила плакаты с фотографиями спектаклей двух выдающихся мастеров, афиши, макеты: Акимов поставил до войны восемь спектаклей в Большом драматическом театре, который будет позже ассоциироваться с именем Товстоногова, кроме того, он сам был оригинальным театральным художником; Товстоногов сделал лишь две постановки в отсутствие Акимова в театре, ныне носящем его имя. Оба мастера были признанными интеллектуалами сцены, и это, пожалуй, главное, что даёт право объединить их непохожее творчество. И оба создали свой театр, что подтверждено в названиях БДТ и Театра комедии, носящих имена своих поистине ГЛАВНЫХ режиссёров.
Научно-практическая конференция «Под маской комедии» соединила доклады об истоках и развитии комедийного жанра, мастер-классы русских и итальянских специалистов по итальянской театральной школе и комедии дель арте, постановки молодых петербургских мастеров комического жанра. Демонстрация приёмов пантомимы известным болгарским специалистом этого жанра Александром Илиевым сменялась читкой пьес юных драматургов, и среди участников мастер-классов и зрителей тоже была молодая артистическая «поросль».

А сами спектакли старались радовать зрителей. Чистая радость, искренний смех зала – это теперь не так уж часто бывает. Профессиональные смехачи, телеюмор приучили нас к пошлости, шуткам ниже пояса, организованному гоготанию публики. Постмодернизм с его тотальным и часто циничным иронизмом тоже в основном не располагает к веселью, скорее к скептической усмешке, всезнающей ухмылке узнавания: «всё это было, было, было», удивить нечем.
Фестиваль «Виват, Комедия!» дал зрителю это долгожданное приобщение к театральной радости.

Российский академический молодёжный театр по-настоящему рассмешил зрителей ретроюмором в спектакле «Подходцев и двое других» по повести Аркадия Аверченко 1917 (!) года. В стильных серых конструкциях, перемежаемых яркими пятнами костюмов, актёры разыгрывают историю о трёх непутёвых и добрых бездельниках, ставших закадычными друзьями. Нелепая история о трёх мушкетёрах шиворот-навыворот сдобрена множеством гэгов и превосходным по качеству комикованием. Оно кажется совсем ненатужным, лёгкий юмор не раздражает легковесностью, незатейливые житейские эпизоды предстают действительно смешными. Главное – старомодный текст времён Серебряного века оживает на глазах благодаря игровой стихии, искрящейся сценическими находками (режиссёр Сергей Алдонин) и в то же время укрощённой рукой «демиурга»-постановщика, «уложенной» в продуманную композицию из мизансцен. «Хор», он же кордебалет, он же «миманс» – словом, вся труппа дополняет точную, на пределе актёрских возможностей игру главной троицы: то надевая на себя верх от кабриолетов и фаэтонов, то изображая простой народ на вокзале, голосящий и поющий, то становясь участниками разгульной свадьбы. Комизм и гротеск по законам сценического воздействия на зрителя завершаются трогательной лирической нотой: один из друзей неожиданно разбогател, другой женился, а третий… третий остался один со своей бедностью, нерастраченной до конца дружбой и преданностью. Упомянутый во время бесконечного застолья наступающий 1917 год вносит предощущение надвигающейся катастрофы (в этот миг по залу проносится лёгкий вздох – сострадания не то к главным героям, не то к самим себе).
Контрастом к искромётному веселью спектакля РАМТа была нашумевшая постановка Театра комедии «Визит дамы» по знаменитой пьесе Ф. Дюрренматта со звёздной ролью Ирины Мазуркевич («ЛГ» уже отзывалась на эту яркую постановку режиссёра Татьяны Казаковой после триумфа в Москве). Пьеса Дюрренматта являет нам иное, сумрачное выражение лица музы комедии, когда гротеск и сарказм переходят в социальную трагикомедию, а потом в кафкианское безумие и настоящую трагедию.

Ещё одним примером попытки чистого веселья стала постановка Российского государственного академического театра драмы им. Ф. Волкова из Ярославля – да-да, того самого, первого русского театра, основанного ещё в 1750-е годы, в эпоху барокко! Худрук театра Евгений Марчелли – потомок итальянских иммигрантов, поэтому обращение к пьесе одного из любимых в нашей стране европейских драматургов Эдуардо де Филиппо выглядит закономерно. Но имитация итальянского темперамента показалась несколько натужной, бурлеска не получилось, хотя актёры выкладывались по полной. Вот только здесь комикование перешло в откровенное кривлянье, а симпатичные девушки в сильно облегающих платьях не спасали от пошловатости и скуки. Всё-таки жанр «брака и развода по-итальянски» – не наш театральный конёк, особенно когда его представляют в стилистике дурной антрепризы.
Не обошлось и без осовремениваний классики, или, как это принято называть, «актуализации». Национальный театр из г. Брно (Чехия) показал «Женитьбу Фигаро», но не Бомарше, а современного шотландского драматурга Джексона. Всё действие происходит на двух этажах банка, Альмавива – директор оного, Фигаро – молодой бизнесмен, мечтающий о слиянии и поглощении, Керубино – юный гастарбайтер с Украины и т.п. Собственно, о «слияниях» мечтают все: Альмавива – с постоянно раздевающейся Сюзанной, Керубино – с Розиной, Фигаро – с банком, ну а в дополнение к этому, в качестве «оживляжа» – постоянная имитация полового акта безымянными сотрудниками этого банка на заднем плане, да ещё использование унитаза по разным назначениям. Всё действо перемежалось песенками-ариями исполнителей – с нехитрой моралью и столь же незамысловатым исполнением.
Камерный театр из Еревана привёз скорее капустник – пародию на «правительственный концерт» (спектакль так и называется). Молодые исполнители и поют, и танцуют, стараясь и выкладываясь, а всё это действо, состоящее из сценок и попурри из известных хитов, посвящается «памяти ушедших правительств».

Помимо «Визита дамы» значимыми событиями стали постановка «Трактирщицы» Гольдони (БДТ, на сцене недавно отреставрированного старинного Каменноостровского театра, режиссёр А. Прикотенко), «Город. Женитьба. Гоголь» (Театр Ленсовета, в постановке худрука труппы Ю. Бутусова) и, конечно, «Село Степанчиково и его обитатели» Малого театра (постановщик А. Яковлев) с выдающимся театральным актёром Василием Бочкарёвым в заглавной роли. «Село Степанчиково» по справедливости закрывало фестиваль: это настоящий большой спектакль по бессмертному классическому произведению, который продемонстрировал и жюри, и зрителям (полный зал Александринки, билетов не достать!), что русский психологический театр, слава богу, жив. Более того – именно такой театр по душе публике: долгий, даже не без длиннот, спектакль в декорациях, напоминающих В. Дмитриева и всю классику сценографии ХХ века (художник Николай Слободяник), смотрелся с увлечением, зрители не расходились, хотя сюжет давно известен, а главный персонаж Фома Опискин может вызвать «дрожь омерзения». Бочкарёв, при всем его актёрском обаянии и теплоте дара, сумел создать устрашающий в своей вкрадчивости образ российского Тартюфа – в инфернальной смеси с Иудушкой Головлёвым, Смердяковым и даже Глебом Капустиным из шукшинского рассказа «Срезал». «Я знаю Русь, и Русь меня знает!» – восклицает этот ловкий манипулятор, напоминающий многих профессиональных демагогов и политиков современного мира.

Мы рассказали лишь о нескольких спектаклях из обширного репертуара фестиваля, ибо, как выразился классик остромыслия, «нельзя объять необъятное». Победителями же этого конкурсного театрального марафона жюри признало:

за лучшую мужскую роль – Василия Бочкарёва (роль Фомы Опискина, «Село Степанчиково и его обитатели», Малый театр, Москва);

за лучшую женскую роль – Ксению Раппопорт (роль Мирандолины, «Трактирщица», БДТ);

за лучшую режиссуру – Татьяну Казакову («Визит дамы», Театр Комедии им. Акимова);

за лучшую работу художника – Эмилю Капелюшу («Визит дамы»).

Гран-при фестиваля жюри отдало режиссёру Андрею Прикотенко за «Трактирщицу» Гольдони. Ещё несколько призов достались целому ряду актёров, в том числе блистательной Ирине Мазуркевич («Визит дамы»).