Дорогие друзья!

Предлагаем вашему вниманию запись передачи "Модный приговор" на Первом канале от 25 мая 2021 года. Гостями передачи стали народная артистка России Светлана Аманова и Андрей Житинкин, артисты Полина Долинская и Михаил Мартьянов.

30 октября в спектакле "Рождество в доме Купьелло" Э. Де Филиппо роль Нинуччи первый раз сыграла актриса Полина Долинская. Поздравляем и желаем новых творческих успехов!

Сегодня понятие дресс-кода претерпело существенные изменения.

Всё чаще его наличие становится просто формальностью. Но, несмотря на это, ещё остались места, где следует придерживаться неких правил, — например, театры. Согласитесь, если вы хотите прикоснуться к прекрасному, приятно и самому выглядеть соответствующе. Вместе с Малым театром и его актрисами разобрались, в чём ходить на спектакли и какие послабления можно допустить.
Фотографии: предоставлены пресс-службой Малого театра

I
Конечно, чтобы вас не пустили в театр из-за внешнего вида, нужно очень постараться. Тем не менее стоит отталкиваться от места, в которое вы собираетесь. В академическом театре (например, в Малом) есть свои негласные правила. Поэтому, чтобы избежать недоразумений, можно выбрать безопасный вариант — строгий стиль. При этом ударяться в крайности в виде сложно сконструированного вечернего платья в пол совсем не обязательно.

II
При выборе наряда можно отталкиваться от постановки, на которую вы собираетесь: от сюжета, эпохи, героев. Идете на «Игроков»? Попробуйте поэкспериментировать с брючным костюмом. Или пиджаком, который будет вам слегка не по размеру. Одолжите такой у отца, брата или молодого человека.

III
Мы живём в 2019 году, и вовсе не обязательно завершать классический образ неудобной (пусть и крайне эффектной) обувью. Всё-таки вам идти не по ковровой дорожке в Каннах, где каблуки — обязательный атрибут. Всегда можно надеть кроссовки или кеды. Продолжая тему комфорта (и не только вашего), важно помнить о парфюме. Даже если в вашей коллекции полно селективных ароматов, которые кажутся вам спокойными, пользуйтесь ими с осторожностью. Вы ведь не хотите, чтобы сидящим рядом с вами людям стало дурно от удовых композиций.

[GALLERY:508]

IV
Подобно классическим произведениям, на классические вещи для театра всегда можно взглянуть иначе. Возьмите один традиционный атрибут и попробуйте обыграть его чем-то менее формальным. Например, дуэт рубашки и свитера дополните брюками клёш, под пиджак наденьте футболку, контрастирующую по цвету, или подберите к платью рюкзак вместо сумки.

V
Этот совет может пригодиться вне зависимости от театра и наличия в нём дресс-кода. Самый простой способ добавить цвета образу — выбрать одну яркую вещь. Например, рубашку, сумку, пояс или обувь. Чтобы выбранный акцент не потерялся на фоне остальной одежды, другие составляющие должны быть более лаконичными. Этот же приём можно использовать и в макияже.

VI
И не забывайте, что в театр вы идёте, чтобы в первую очередь прикоснуться к прекрасному — к искусству. Вы же помните, что велосипед уже придумали? Не усложняйте. Но при этом и не ограничивайте себя.

Wonderzine, 14 декабря 2019 года

26 октября 1824 года московская драматическая труппа, которая в дальнейшем и стала Малым театром, дала на сцене особняка купца Василия Варгина первое представление-балет «Лилия Нарбонская, или Обет рыцаря» князя Александра Шаховского и балетмейстера Шарля Дидло. В честь этого события в театре устроили экскурсию для прессы, кроме Щепкинского и Ермоловского, показали новое Щепкинское фойе, настоящий выставочный и концертный зал, где мы посмотрели дефиле исторических костюмов.

Там же увидели проект памятника Гоголю работы актера, режиссера и педагога Александра Ленского (1847–1908). Увидели единственную сохранившуюся с исторических времен гримерную Александра Ивановича Южина (1857–1927), первого директора театра, которая служила актеру и его кабинетом.

Пообщались с актерами, Борисом Клюевым и Полиной Долинской, исполнителями ролей Арбенина и Нины в вечернем спектакле «Маскарад». Спустились в театральный «трюм», в котором когда-то царствовали моряки, с ловкостью вязавшие декорации с помощью морских узлов. Через прорезь увидели дно поворотного круга, хорошо знакомого зрителям. Приспособление появилось в театре в 1900 году. В финансовом отношении предприятие было неподъемным, но в России, как всегда, нашлись рационализаторы. У Александра Ленского и механика сцены Карла Вальца механизм заработал по принципу кофейной машины, поворачивать его мог один человек. Сейчас круг вращается во всех пространственных измерениях одним нажатием кнопки на пульте звукорежиссера. Светотехническое шоу стало достойным завершением праздничной экскурсии.

Из истории Дома Островского: особняк купца Василия Варгина был построен в 1821 году, через три года перестроен архитектором Осипом Бове. В 1840-м году, когда здание у купца выкупили, архитектор Константин Тон построил новую сцену и зрительный зал, форма и размер которых не изменились до сегодняшнего дня.
В первое время слово «малый» писалось не с заглавной буквы, потому что говорило лишь о том, что это здание меньше, чем стоящий рядом «большой» театр. И только к середине XIX века слова «Большой» и «Малый» стали именами собственными.

Здание Малого театра, построенного в устье реки Неглинки, преследовала череда ремонтов – фундамент постоянно подмывало. Самая грандиозная реконструкция была проведена в 1945–1947 годах под руководством архитектора Александра Великанова. И наконец, последний ремонт, который проводился в 2011–2016 годах, в театре надеются, закрыл вопрос с фундаментом. Театр теперь, как говорят экскурсоводы, «как на тарелочке, стоит на специально выстроенном фундаменте, который опирается на сваи». Современная реконструкция проводилась по чертежам архитектора Великанова, и главная задача специалистов заключалась в том, чтобы восстановить Малый театр 2-й половины XX века. Равнялись на эталон.

И о чем же думалось во время этих прогулок по изысканных интерьерам театра, изукрашенным золоченой лепниной? Конечно, о том, что было представлено на великой сцене почти за два столетия, кто представлял, и кто побывал в качестве гостей. Из названий спектаклей сегодня звучат лишь два: кроме «Лилии Нарбонской», «Игроки» Гоголя, это самая свежая премьера. Из актерских имен произносят великого романтика Павла Мочалова (1800 – 1848), крепостного помещика Демидова, представлявшего Ринальдо в той самой «Лилии Нарбонской», первого Ромео, Гамлета и Лира Малого театра, на другом фланге – корифеи разных периодов Малого, молодежь, о которой никогда не забывает худрук Юрий Соломин. Ну а из гостей – от королев Великобритании и Нидерландов, Сталина и космонавтов до великих гастролеров – Листа, итальянского трагика Сальвини, Анны Маньяни и Анни Жирардо, «Комеди франсез и «Пикколо ди Милано», – кто здесь только не побывал.

В Щепкинское фойе проходим по зрительской тропе, где классики в нишах напоминают, что Малый театр сегодня – это театр большой мировой литературы.
А портреты Михаила Щепкина (1788–1863), основоположника русской актерской школы, и Павла Мочалова, от которого пошла вся эта плеяда, включая Щепкина; а так же Ермолова, Садовские, Ленский, Южин, Остужев, Зубов, Царев, Нильский, современные актеры – об актерской традиции. Связана она с большими индивидуальностями, которые способны создавать на сцене уникальный ансамбль, даря зрителю ощущение актерского единства, от которого «два шага до режиссерского театра». Отзвуки лекции все же долетают до нашего слуха. И про сложный путь репертуарного развития театра, и про особое внимание к историческим спектаклям, и к идее художественного единства, в которое должны быть вовлечены не только артисты, но все создатели спектакля. Отдельный разговор про Смутное время, первый спектакль на эту тему был поставлен в театре в 1831 году по роману Загоскина «Юрий Милославский», недавний – в 2018-м по «Стене» Мединского. А всего более 30 раз коллектив обращался к этой теме.

А вот и само дефиле. Под волнующую музыку актеры демонстрируют одежду эпохи Смутного времени – боярские шубы, кафтаны из золотой парчи, убранство цариц. Исторические костюмы представлены из пяти спектаклей – хроники Островского «Дмитрий Самозванец и Василий Шуйский» в постановке Владимира Драгунова (2007), костюмы Ларисы Ломакиной; трилогии Алексея Толстого – «Смерть Иоанна Грозного» также в постановке Драгунова (1995), «Царь Федор Иоаннович» – Бориса Равенских (1973), оба спектакля оформлял Евгений Куманьков; «Иван Грозный» – Прова Садовского и Константина Зубова (1944), костюмы Павла Соколова-Скаля; «Борис Годунов» Пушкина – Константина Хохлова (1937), художник Владимир Щуко. Можно отметить, как менялись костюмы в течение 70 лет, избавляясь от нарочитой роскоши, становясь все более стилизованными, скромными, аскетичными, даже боярские одежды лишались своей грузности и неповоротливости. Идею театра показывать исторические костюмы не в музейных витринах, а на дефиле можно только приветствовать.

В Ермоловском фойе нас встречает один из ведущих актеров Малого театра, народный артист России Борис Клюев (на фото). Борис Владимирович проводит экскурсию «по волнам своей памяти» и, между строк, дает ясно понять, как легко в молодости совершить роковую ошибку при выборе пути. Его, выпускника Щепкинского училища, которого брали в Малый театр, но он мечтал работать у Юрия Завадского в Театре им.Моссовета, спас от таковой актер моссоветовец. «Ты, что ли, дурак, – сказал он ему, – это же императорский театр, как можно сравнивать?!».

Прошли годы, прежде чем Дом Островского стал для актера Клюева его «домом, религией, Отечеством».
«Для меня привлекательны традиции Малого театра и его история, – говорит актер. – Конечно, здания, построенного купцом Варгиным, давно нет, но в новом постарались сохранить все, как было, вот и Ермоловское фойе осталось таким же.

Молодости свойственно нахальство, и когда я впервые вышел на сцену, мне казалось, что сейчас покажу этим “старикам”, а среди них были – Михаил Жаров, Елена Шатрова, Георгий Куликов, Нелли Корниенко, Роман Филиппов, Виктор Борцов – как надо. А потом неожиданно понял – не все так, как мне кажется: Михаил Иванович говорит реплику, и зал его принимает, говорю я – нет. Я очень расстроился, долго думал, в чем ошибка, пытался разговаривать со стариками – “Работать надо”. Помню ощущение, которое испытал у доски приказов. В толпе переговаривались: “Вот посмотрите, еще кого-то в театр взяли, какой-то Клюев, ну, берут и берут”. Меня это возмутило, и я сказал: “Вообще-то Клюев – это я”. Тогда толпа развернулась, посмотрела на меня снизу вверх и сказала: “Ну, посмотрим-посмотрим”. И вот это философское “посмотрим-посмотрим” долго шло вместе со мной: был не свободен, зажат, от волнения перехватывало горло, но я всегда помнил слова своего педагога Леонида Андреевича Волкова: “Артисту помогает воля, вот вместе с ней – вперед: “Я тебя завоюю, мой зритель!”. И постепенно это пришло.
К сожалению, период беззаботной молодости проходит, осознав себя в профессии, ты мягко входишь в состояние, которое деликатно называют “зрелостью”. Это тоже этап, который нужно прожить, и, спасибо вековой традиции, в нашем театре есть роли для каждого возраста – для молодых, для тех, кто постарше, для среднего, зрелого и пожилого возраста.

Помню, в 90-х, когда начался хаос перестройки, и наше искусство рухнуло. Василий Лановой сказал: “Хорошо Малому театру, у них был Островский”. Действительно, театр наш классический, а я уверен: учиться нужно на классике, остальное – вещь возрастная. Когда ты молод и полон сил, ты готов танцевать, петь, прыгать, экспериментировать, но, когда лет через 15–20 смотришь, как твои коллеги ходят в простынях в подвальном помещении, неся перед собой свечи, и находят в этом эстетику, я начинаю бояться за этих людей. Практика показывает, что они так и не сыграют ничего значимого.

Не забыть, как Михаил Иванович Царев сказал, когда мы играли с ним в “Горе от ума”: “Если мужчина не сыграл ничего интересного до 40 лет, а женщина – до 30, так и не сыграют, но женщине легче, в нее может влюбиться режиссер”. Вот наше время, казалось бы, твори, выдумывай, пробуй, никаких худсоветов, но оно так и не подарило нам ни одной интересной пьесы, ни одного режиссера.

Парадокс, но при худсоветах было огромное количество режиссеров, которые вошли в историю театра, а “вы, нынешние, – нутка!”, как говорит Фамусов в “Горе от ума”. И нужно отдать должное нашему худруку Юрию Мефодьевичу Соломину, который традиции, очень хорошие, не потерял.
Мы ставим классику, никогда на сцене Малого театра не услышите мат, не увидите оголенные тела. Не понимаю этой эстетики. И как же приятно слышать от зрителей, что у нас актеры, “которых слышно”. Работа со словом – одна из наших традиций.

Также у нас нет звездности, потому что, если ты прозвучал в каком-то сериале, это не значит, что что-то умеешь на сцене. Обычно старики говорили: “А ты выйди и попробуй три часа зрителей удержать, это совсем другое искусство”. Мы гордимся тем, что Малый театр и Александринка – первые театры России, родившиеся по указу Елизаветы, и стараемся сохранять традиции».

Полина Долинская сказала, что у театра есть душа: «Для меня самыми трепетными моментами оказываются те, когда после спектакля одной из последних покидаю театр. В полной тишине спускаюсь по лестничным пролетам, заглядываю на сцену, где уже нет декораций, отмечаю, какой же огромный у нас зрительный зал – в эти моменты я чувствую дыхание театра».

Нина Катаева, специально для «Столетия», 05.11.2019

26 октября зданию Малого театра исполнится 195 лет: 26 октября 1824 года труппа театра дала свое первое представление на сцене знаменитого дома на Театральной площади.

Хрустальные люстры, огромные зеркала, паркетный пол, изящные кресла — некогда Императорский театр и в наши дни славится роскошными интерьерами, которым отведена особая роль. Уже на входе они захватывают внимание зрителей.

— Малый театр гордится своими традициями, — говорит сотрудник музейно-информационного центра Малого театра Вера Тарасова и приглашает подняться по парадной лестнице в фойе, которое носит имя одного из основоположников русской актерской школы Михаила Щепкина.
Сверху на зрителей смотрят фигуры великих писателей: Грибоедова, Пушкина, Лермонтова, Гоголя. Постановки по произведениям классиков составляют основу репертуара театра. По словам Тарасовой, это одна из главных традиций, которая сложилась в конце XIX — начале XX века. Как раньше, так и сегодня режиссеры не просто представляют зрителям театральное прочтение литературных произведений, а воссоздают описанную в книгах историческую эпоху.

— Отдельная тема исторических спектаклей Малого театра — Смутное время, — рассказывает Тарасова. — За всю историю режиссеры обращались к ней более 30 раз. Первый спектакль на эту тему поставили в 1831 году по роману Михаила Загоскина «Юрий Милославский». Одна из последних премьер — спектакль «Смута» — состоялась в 2018 году.

Исторические костюмы из старых постановок можно увидеть во время театрализованного дефиле. Это новый проект Малого театра. Зрители, которые ждут начала спектакля, могут заглянуть в новое щепкинское фойе, где на импровизированный подиум выйдут актеры в кафтанах из золотой парчи, боярских шубах и другой одежде, которая была создана для героев, живших в Смутное время.

— Это первая тема, на которую мы сделали дефиле, — уточняет Тарасова. — Но в фонде нашего театра уже собрано несколько сотен костюмов, из которых самому старому — более 150 лет. И наша коллекция постоянно пополняется. Конечно, мы не хотим, чтобы они пылились на вешалках, поэтому будем проводить дефиле, посвященные и другим темам. Ведь в создании костюмов участвуют такие модельеры, как Вячеслав Зайцев.

В платьях от известного дизайнера блистает и актриса Полина Долинская.
— Для меня самые трепетные моменты — когда спектакль заканчивается, расходятся все зрители, разбираются декорации, и ты одной из последних в полной тишине спускаешься по лестницам. В такие минуты чувствуешь дыхание театра, — говорит актриса.
Заглянуть в гримерки можно во время экскурсий, которые проводят в театре днем. Посетителям также покажут «трюм» — пространство, где видно механизмы, которые приводят в движение сцену.

ПРЯМАЯ РЕЧЬ
Юрий Соломин, художественный руководитель Малого театра:
— Не могу не сказать о тех людях, которых мы никогда не забываем. Начиная с Михаила Семеновича Щепкина и заканчивая семьей Садовских, Рыжовых. Дальше идут: Ленский, который руководил театром до 1906 года, Сумбатов-Южин, Михаил Иванович Царев и другие. Как говорила Вера Пашенная: «Оставляйте на сцене кусочек своего сердца». Как-то по молодости я спросил, а как? Она мне ответила: «Ничего-ничего, ты будешь жить». Я вспоминаю ее каждый день и говорю актерам, особенно молодым: вспомните слова Пашенной. Кусочек сердца оставляется зрителю.
СПРАВКА
Первой постановкой, которую показали на сцене Малого театра, было представление-балет «Лилия Нарбонская, или Обет рыцаря» сочинения князя Александра Шаховского и балетмейстера Шарля Дидло. За свою историю здание театра не раз ремонтировалось. Самые крупные реконструкции прошли в 1945–1947 годах под руководством архитектора Великанова и в 2011–2016 годах. Во время последнего ремонта за счет внутреннего двора удалось увеличить площадь театра.

Наталья Тростьянская, «Вечерняя Москва», 25 октября 2019 года

Чтобы понять немецкую классику, стоит посмотреть в Малом театре России новый спектакль «Перед заходом солнца» в постановке народного артиста России Владимира Бейлиса по пьесе великого драматурга Герхард Гауптмана в переводе Виктора Леденёва.

Мрачная трагедия личности переплетается с тонкой лирикой. Это история о любви вдовствующего аристократа на фоне болезненных общественных отношений. Но кто более не здоров: странная пара или окружающие их рационалисты? В репертуаре Малого театра эта пьеса, написанная в 1931 году в Германии, шла в 70-е годы с большим успехом, как укор буржуазному миру, шагающему к катастрофе Второй мировой войны. Нынешняя постановка не привязана строго ко времени и месту, спектакль Владимира Бейлиса построен без идеологических акцентов, однако с тревожным гражданским посылом, актуальным для нас, сегодняшних: какое место занимают в твоей жизни любовь, семья, книги? Почему истинные стремления твоего сердца подавляет одна мысль о деньгах?..

Пьеса Гауптмана уникальная, необычная – подвластная для постановки только чуткому мастеру, ведь про любовь молодой женщины к седовласому аристократу почти невозможно говорить без тени осуждения. Всё очарование этого спектакля и состоит в этом волшебном, театральном «почти»: режиссёр расширяет границы нашей души и зритель, который в жизни, наверняка, осудил бы подобную историю отношений, горячо переживает за влюблённых!

И всё-таки сильная и цельная натура главного героя Маттиаса Клаузена (Б. Клюев) оказывается побеждённой заговором взрослых детей, хотя, казалось бы, их гнев справедлив, ведь молодая красавица рядом с пожилым господином всегда вызывает подозрения в корысти. Но вектор зрительского негодования перемещается к другим персонажам – тем, кто страстно старается оградить своего отца от личного счастья. Имена детей главного героя автор позаимствовал из мира великого Гёте неслучайно. Вольфганг (И. Петренко), Эгмонт (М. Филатов), Беттина (Е. Харитонова), Отиллия (П. Долинская) перекликаются с литературными персонажами из немецкой классики.
Первоначально Гауптман хотел назвать свою драму «Новый Лир», ведь финал пьесы, когда Клаузен сходит с ума от подлости родных детей и в непогоду бежит из дома – это нарочито прозрачная аналогия с шекспировским героем, но необычная любовная линия в сюжете делает пьесу «Перед закатом солнца» удивительным шедевром литературы ХХ века.

Художник-постановщик спектакля, народный художник России Борис Мессерер, одел персонажей таким образом, что мы видим их своими современниками, хотя в костюмах и в оформлении выдержана элегантная стилистика 30-х годов. В декорациях Германия только угадывается: домик девушки утопает в розах, а кабинет интеллектуала – в книгах… Лаконична мрачная красота финала, решённого, как условное место, где гонимые влюблённые любуются закатом!

Режиссёр Владимир Бейлис говорит: «Наш спектакль – это романтическая трагедия о жизни двух честных и порядочных людей». Действительно, так надоели на современной сцене «модные» постановки с истеричками и психопатами, зритель заждался положительного героя, хотя известно, что положительные образы артистам довольно сложно создавать яркими. И тем не менее главные герои в этом спектакле получились особенными, незабываемыми. Маттиас Клаузен в исполнении народного артиста России Бориса Клюева вызывал не просто сопереживание и волнение зрителей – его образ, помимо обаяния и благородства, нёс философский накал сдержанных эмоций. Сцена в домике Инкен, когда мы понимаем, что сознание героя помутилось, создана такими красками, что вызывает слёзы: сильный человек сломался и стал вдруг беспомощным, как ребёнок… Прекрасна на сцене Ирина Леонова, как эмоциональная и умная актриса с восхитительными внешними данными! Ей безоговорочно веришь, веришь, что девушке не нужны ни богатства, ни общественный статус – такая вот красивая белая ворона, которую оттеняет великолепный ансамбль монстров: успешные взрослые дети главного героя. Необычным стало появление Полины Долинской в образе нелепой, гламурной красотки Отиллии. Выразительна народная артистка России Елена Харитонова в роли бездушной Беттины, создавая тип эдакой бизнес-леди с правильными речами. Притягательным персонажем предстал Вольфганг – нервический, истеричный учёный с завышенными амбициями, которого то и дело от негодования пощипывает жена. Этого неприятного, жалкого типа играет крупный мастер – один из самых обаятельных артистов – Игорь Петренко, которого все знают по кино как брутального и положительного героя! Но его было не узнать в роли подкаблучника Вольфганга! Трясущаяся пластика рук, визгливые нотки в голосе… В этом спектакле Петренко поражает как разносторонний, характерный артист.

И каждая роль в спектакле, даже эпизодическая, создана очень точно, актёры с пониманием играют немецкую классику. Они здесь не русские люди – другие, но без поверхностного подражательства, без специальных приёмов. Актёры нашли эту тонкую грань перемещения в другую культуру, что не так уж часто случается при постановке зарубежных авторов на сцене.

Зрители в зале замирают, и вот – история завершается щемящим чувством несправедливости, потому что главные герои один за другим принимают решение уйти из жизни. Готически мрачный финал выстроен по-философски: Инкен Петерс и Маттиас Клаузен как будто перерождаются, и в другом, уже потустороннем мире, продолжают свой разговор, любуясь закатом: всё-таки любовь вечна!

Ирина Кумова, "Литературная газета", 29 мая 2019 года

Дорогие друзья!

В студии программы Первого канала «Сегодня. День начинается» участники спектакля "Перед заходом солнца" Г.Гауптмана народный артист России Борис Клюев, артисты Игорь Петренко и Полина Долинская. Смотрите выпуск от 15 мая 2019 года. Начало - 10:45.

Трагедия Максима Горького «Васса Железнова», знавшая в прошлом множество триумфов на лучших отечественных сценах, сегодня возвращается к зрителю. В 2004 году ко второй - социально-революционной - редакции пьесы обратился МХАТ им. Горького, а в конце прошлого театрального сезона Малый театр представил первый вариант знаменитого произведения. Постановка Владимира Бейлиса «Васса Железнова. Первый вариант» в Малом выдвигает на первый план истинную главу и хранительницу дома - Мать, способную на все ради тех, кого любит.

Владелица солидного капитала Васса Петровна Железнова (Людмила Титова) тщится удержать в не по-женски твердых руках большое семейство: распутного деверя Прохора (Александр Вершинин), двоих никчемных сыновей - глупого и алчного Семена (Алексей Коновалов) и истеричного и эгоистичного Павла (Станислав Сошников), «отрезанный ломоть» - своевольную дочь Анну (Полина Долинская), вернувшуюся к одру умирающего отца, и невесток - гулящую от ненависти к нелюбимому мужу Людмилу (Ольга Абрамова) и лицемерную Наталью (Ольга Жевакина). Все домочадцы думают исключительно о деньгах (разве что жена кривобокого Павла мечтает о свободе, а не о золоте), все готовы на преступление, особенно если совершено оно будет чужими руками. Но на решительный поступок в выморочном роде способна только Железнова, оправдывающая все свои страшные мысли и действия заботой о детях.

Режиссер Владимир Бейлис решает постановку в соответствии с горьковским подзаголовком «Мать», читая пьесу как семейно-бытовую сагу с уклоном в мелодраму. Такая трактовка нивелирует глубину авторского текста и уменьшает масштаб заглавного персонажа, а некоторая стилевая разнородность действующих лиц порой уводит от сути проблем, поднимаемых писателем. Людмила Титова не придает своей героине черт, привычных в исполнении прославленных предшественниц: ее Васса - грубоватая крепкая баба из низов, всю жизнь трудившаяся и уважающая лишь желание и умение работать: «Тех жаль, кому работать хочется, а - нечего». Интеллигентная актриса мастерски перевоплощается в замученную женщину, торгующую торфом и изразцами, кирпичом и дровами. Она «чокает», по-простому сидит, опустив руки между коленями, и, кажется, немного стесняется роскошно одетой красавицы дочери.

Анна - циничная, умная, усталая молодая дама, настоящая офицерша, знающая себе цену. Возможно, потому, что не раз ее называла: здоровые дети, рожденные от больного мужа, служат Железновой явным доказательством вольного поведения дочки. Но персонаж Полины Долинской, играющей зрело и крупно, не так однозначен и меняется на протяжении действа от расчетливой барыньки, приехавшей урвать кусок, до дочери, вспомнившей о благодарности и милосердии. Еще одна важная характеристика - любовь к детям, ради которых она способна на многое, что и приводит ее в конечном счете если не к преступлению, то к греховной мысли о нем. Хотя в этом доме душевно не замараться не удастся никому.

Сыновья Железновой - явные неудачники, ленивые, праздные, наглые. Особенно сильно выглядит Алексей Коновалов в роли туповатого Семена, беспричинно глупо и развязно смеющегося и находящегося под каблуком у тихой с виду жены. Наташа - невероятно пошлая, мелкая, недалекая, тщеславная мещанка, мнящая себя важной дамой. В противоположность ей - любимица хозяйки дома свободолюбивая и порывистая Людмила, не выносящая даже прикосновения нездорового физически и нравственно капризного, как ребенок, завистливого Павла, считающего себя выше и лучше остальных. Младший сын удручает и выводит из себя Вассу, в сердцах дающую ему пощечину после очередного бесстыдного требования денег. Материнская бессильная досада очень точно воплощена в игре Титовой.

Под кровом деревянного дома, выстроенного на сцене замечательным художником Эдуардом Кочергиным, собрались страждущие сердца, обуреваемые страстями. Меж тем это жилище пригодно только для каторжного труда: сурово сомкнутые панели создают тесное пространство, чья осевая линия ведет к иконостасу, возле которого начинаются оба акта. В первом действии у него молится Васса, во втором - собирается уже вся семья, будто грехи растут и множатся под угрюмыми стенами. Не редкость здесь и смерть - насильственная, мрачная. Кончает с собой нервическая горничная Липа (Ирина Жерякова), умирает «от распутства» муж Железновой, нелепо гибнет от руки Павла, подстрекаемого Анной, веселый купец Прохор, залихватски и сочно сыгранный Александром Вершининым.

Вассе же остается безучастно наблюдать за крахом семьи. Ближе к финалу становится понятно, почему так нетерпеливо ожидала она старшую дочь: только сильная, безжалостная Анна способна проявить решительность и волю и принять из ослабевших материнских рук с трудом накопленный капитал, дело и власть. Именно этот женский дуэт становится смысловым центром постановки. Кажется, что героиня Полины Долинской совершает то, что совершает, не столько из любви к своим детям, сколько из жалости к изработавшейся и отчаявшейся матери. Теперь ей предстоит быть новой Железновой. И эта молодая роскошная женщина готова к перемене положения.

А главная героиня ломается под тяжестью груза, несомого столько лет. Слезно моля Богородицу о прощении, она вдруг падает замертво, осыпаемая золотой пыльцой, будто словами отпущения грехов. Оправдание Вассы выглядит не до конца убедительным, хотя жалость к героине понятна. Но не об этом спектакль Малого театра. «Не псы дом хранят, мы его храним», - говорит Железнова дочери. И верно: среди самых страшных бед мужчины все чаще отступают, но женщины, ведомые любовью и долгом, не сдаются никогда.

Дарья Семенова, «Учительская газета», №42 от 17 октября 2017 года

После реставрации открылась основная сцена исторического здания Малого театра. Возвращаются старые спектакли и рождаются новые. Одним из премьерных спектаклей стала "Васса Железнова — первый вариант" Максима Горького. Сегодня, когда общество отошло от жёстких социальных идеологем, театру стал интересен именно первый вариант пьесы, который в 1910 году сам Горький назвал "Васса Железнова. Мать". Важность для Горького темы матери как основы семьи и общества в целом подчёркивает тот факт, что незадолго до этого, в 1906 году, им был написан известный роман "Мать". Его главная героиня Пелагея Ниловна выступает в роли "пролетарской Богородицы", принимая и разделяя жертву своего сына-революционера, отдающего жизнь за спасение людей, и поднимаясь до величайших духовных высот в подвиге самопожертвования.

Васса Железнова представляет купеческое сословие, к началу ХХ века переродившееся в буржуазию. Горький показывает, что те, кто должен быть, казалось бы, хранителем традиции, устоев семьи, должен быть верным христианином, в действительности ведут себя прямо противоположно. И Васса, в отличие от Пелагеи Ниловны, жертвует другими ради спасения и благополучия своих детей, в итоге способствуя их гибели, духовной и физической.

Именно то самое "дело", не раз упоминаемое Вассой Петровной (на современном языке — бизнес), гонка за материальным благополучием как "гарантом счастья", сегодня, как и сто с лишним лет назад, становится одной из главных причин распада семей и расчеловечивания людей.

Мы уже не знаем, что такое катарсис — даже само это слово почти забыто. Но благодаря премьерной "Вассе Железновой…" Малого театра в постановке народного артиста России Владимира Бейлиса, который сумел вдохновить весь творческий коллектив на столь яркую и запоминающуюся работу, эта "радость через сострадание" становится доступной зрителям. Фундаментальным свойством сегодняшней "Вассы…" является удивительная гармония драматургии, режиссуры, игры актёров, работы художников по декорациям и костюмов, музыки и света. Слаженность всех "элементов" рождает чудо — формы классического русского театра наполняются глубокой жизнью, абсолютно понятной и близкой нашим современникам.

Полноправным соавтором премьеры можно считать народного художника России Эдуарда Кочергина с его великолепной сценографией, которая даёт образ рушащегося жутковатого дома Вассы Железновой. Первая картина — домашний иконостас с лампадками в глубине дома, дома без крыши и без стен на фоне тёмного неба и падающего снега, неприкаянные странные голуби… Дом, окутанный бесконечной тьмой и холодом, создаёт ощущение обречённости, которое будет сопровождать зрителя от первой сцены до последней. Костюмы художника Анны Алексеевой-Кочергиной точны и естественно вплетены в ткань спектакля.

Музыка композитора, народного артиста России Григория Гоберника, усиливает тревогу, рождает ощущение гуляющего ветра среди пустеющего дома. И дальше, на протяжении всего действа, композитор тонко отражает суть происходящего в сдержанных музыкальных фразах, которые становятся неотъемлемой частью драматургии спектакля.

Легендарный образ горьковской героини: сильной, умной женщины, для которой весь смысл жизни — в её детях, как продолжателях "дела". Но Васса, плоть от плоти своей среды, где главное мерило жизни — материальный успех, видит счастье своих детей, прежде всего, в приумножении богатства, — так её воплощает народная артистка России Людмила Титова, используя в своей работе скорее чеховские, нежели горьковские краски, нарочито уходя от внешних характеристик волевой, властной хозяйки дома.. "Ничего не сделаешь, так все живут, так надо жить",— будто слышим мы не высказанные вслух мысли Вассы. Но она — не злодейка: "Матери все удивительные: великие грешницы и мученицы великие… для детей не стыдно и не грешно… Богородица меня поймёт…" — в этом отчаянная надежда Вассы на оправдание.

Актриса находит точные интонации и пластику, которые в каждой сцене дают ощущение правды и видимого действия, и того, что творится внутри у её героини. Такая сдержанность выглядит чрезмерной, но в конце спектакля становится понятно, что актриса таким образом подводила нас к сильнейшему потрясению от трагического финального монолога, в ходе которого она буквально овладевает сердцами зала и заставляет его сжаться от боли и сострадания к великой грешнице Вассе Железновой.

Анна, дочь Вассы, которую играет Полина Долинская, давно отрезала себя от родного дома. Мы видим, как сперва настороженно и отстранённо Анна ведёт себя при встрече с матерью. Она давно живёт так, чтобы не чувствовать боли, угрызений совести, она повидала в жизни многое. Такой актриса мастерски рисует Анну. Но постепенно в ней просыпается родственное чувство и сострадание к матери. Долинская делает явным то, почему Анна — единственная достойная продолжательница дела Вассы. Оправдает ли она надежды матери?.. Актриса не делает ни одного лишнего движения, но мы прекрасно понимаем всё, что происходит с её героиней.

Павел, сын Вассы, в исполнении Станислава Сошникова — трагический персонаж. Актёр играет очень достоверно, с глубоким чувством и тогда, когда герой захлёбывается от ненависти, и тогда, когда он бесконечно слаб в своей любви к матери и жене, в своём желании быть любимым. Владея большой эмоциональной амплитудой, актёр может уже через минуту после сцены пронзительной слабости взорваться демонической злобой. И на таком контрасте Сошников играет весь спектакль…

Людмилу, жену Павла, сыграла молодая актриса Ольга Абрамова. Роль Людмилы, на первый взгляд, довольно прямолинейна. Абрамова с большой душевной щедростью наделяет свою героиню яркими красками, которые, переливаясь, открывают глубину и красоту её души. Она единственная видит в хозяйке дома добрую душу, заключённую в тюрьме ложных правил и идеалов. Современные молодые актрисы, увы, не умеют быть наивными на сцене. А вот Абрамовой веришь, её искренность заразительна и убедительна. Прекрасная пластика помогает ей дорисовать красоту своей героини. Грех, который сто лет назад воспринимался гораздо страшней, чем сейчас, остаётся грехом. Но искренность актрисы помогает нам прощать Людмилу и жалеть её.

Другого сына Вассы, Семёна, играет актёр Алексей Коновалов. Нередко подобных персонажей актёры играют почти небрежно, поскольку те настолько выразительно написаны драматургом, что, вроде, и играть-то ничего не надо. Коновалову удалось избежать подобного соблазна. Очень быстро сквозь нарочитый смех, бурную реакцию на всякие скабрёзности мы замечаем, что Семён — не такой уж дурачок, каким он себя выставляет. Этот парень прячется от гнёта матери и законов дома Железновых в благодушии… лицемерном благодушии. Шаг за шагом актёр смывает краски с ложной безобидности Семёна.

Актрисе Ольге Жевакиной, играющей Наталью, жену Семёна, удалось наделить лицемерную героиню типическими чертами, в то же время делая образ ярким и запоминающимся. У Жевакиной Наталья омерзительна и страшна, даже когда должна быть смешной. Очень зрелая, интересная и талантливая работа.

Вторая актриса, сыгравшая Наталью, жену Семёна, — Ирина Жерякова. Двуличную Наталью, эту псевдо­святошу, актриса с большим вкусом "наградила" множеством характеризующих деталей, которые делают образ живым и узнаваемым. Может быть, И. Жерякова раньше времени проявляет притворство Натальи, но это, похоже, следствие бурного темперамента актрисы, которой "прощаешь" всё, потому что она абсолютно убедительна и обаятельна. Вполне возможно, что образ Натальи ещё в развитии, так как Жерякова ввелась на роль недавно. Но уже сейчас — это блестящая работа.

Прохор Железнов. Брат умирающего Захара Железнова, хозяина дома, в исполнении заслуженного артиста России Александра Вершинина подан через яркие балаганные краски: он шумит, хулиганит, играет на гитаре, поёт — и всё это делает превосходно. Но постепенно актёр открывает "второе дно" своей роли. В начале спектакля он воспринимается как чистое зло: соблазнил юную жену родного племянника-горбуна нагло и напоказ, но потом мы видим, что он — так же как и все — изнывает под гнётом Вассы, которая вместе с мужем обманом завладела его деньгами и заставила быть участником семейного "дела"… Он считает себя вправе "вернуть им всё зло" и делает это с удовольствием. Так из балагура и наглеца актёр превращает Прохора в драматическую фигуру.

Михайлу Васильева, управляющего Вассы и отца Людмилы, убедительно сыграл Михаил Фоменко. Актёр показывает нам героя человеком верным, умным, надёжным соратником "дела" Железновых, который готов на всё ради этого самого "дела". И, хоть ведёт он себя, по сути, как верный пёс, актёру удаётся наделить героя чувством внутреннего достоинства. Он не подобострастен, он искренне отдал себя в волю Вассы, служить которой для него — честь… или он надеется на большее?..

Дунечку, дальнюю родственницу Железновых, играет заслуженная артистка России Татьяна Скиба, которая настолько органично, с такой любовью и фантазией создаёт образ своей героини, что за ней очень интересно наблюдать. Дунечка трогательна в том, как старается выслужиться, чтобы быть нужной в доме, и её искренне жаль, когда Семён устраивает над ней расправу за подслушивание…

Молодая актриса Алёна Колесникова играет Липу, горничную, судьба которой сплетена с семьёй Железновых порочно крепко. Актриса делает Липу искренней, смелой, даже вызывающе смелой, но это носит какой-то современно-феминистический налёт. Её попытки вырваться из этой семьи не должны быть "революционными", Липа — из низших слоёв общества, знает своё место, но связь с сыном Вассы, приведшая её к преступлению, даёт ей какое-то внутреннее право ожидать жалости, понимания. Её душа наполнена противоречивыми чувствами, она жертва, ставшая палачом, и она хочет забыть о своём грехе.

В роли отца Егора выступил заслуженный артист России Пётр Складчиков, перед которым стоит сложная задача. С этим образом актёру трудно справляться, потому что персонажа этого в пьесе нет, как нет и этой сцены, а потому образ, к сожалению, не проработан на уровне замысла.

Актёр искренне играет набожного батюшку, почти монаха, благо фактура актёра — худой, аскетичный. Отец Егор даже пытается отговориться от суммы пожертвования, будто она велика. В общем, благоговейный русский священник. Возникает противоречие. В начале пьесы мы слышим, что отец Егор соглашается на лжесвидетельство и просит за это 300 рублей. Васса чертыхается, но соглашается… Но тогда это должен быть совершенно другой образ! Мы должны увидеть волка в овечьей шкуре, готового за хорошие деньги идти на страшный грех. Тогда эту роль и всю эту сцену нужно решать совсем иначе.

Также этому персонажу не хватает точности в деталях, связанных со спецификой произношения молитвословий на церковно-славянском языке, в котором гласные и согласные читаются так же, как пишутся, и нет буквы "ё". Есть вопросы и к тому, какие именно мы слышим молитвы из известной многим панихиды. Да и обручального кольца священники не носят…Без этих соответствий нарушается правдивость сцены, а очень жаль, потому что сама идея замечательная и этот эпизод прекрасно вписывается в общую ткань спектакля.

И наконец, Анисье, горничной в исполнении Натальи Хрусталёвой, веришь, что ей жутковато в этом странном доме. Актриса органично вписывается в актёрский ансамбль спектакля.

Последняя сцена. Развязка. Снова падает снег на фоне горящих лампад. Слышны далёкие детские голоса. Закрывается занавес, но спектакль не закончился.

Отчего так безумно жалко Вассу, которая даже в преступных делах предстаёт перед нами страдающей матерью, идущей на многие жертвы, отказывая себе в простых человеческих радостях? Ведь нам очевидно, что её самопожертвование — ложь, поскольку в нём нет Божественной правды. Корень жертвенности Вассы — её эгоизм, её воля устроить жизнь по своей, а не Господней воле. И как ответ вспоминаются слова Евангелия от Матфея: "Не всякий, говорящий Мне: "Господи! Господи!", — войдёт в Царство Небесное, но исполняющий волю Отца Моего…", эти слова расставляют точки над "i", всё встаёт на свои места — не спасает любовь без Бога, как не устоит дом без крыши.

Лия Руткис,"Завтра", 28 апреля 2017 года

Полина Долинская – молодая актриса Малого театра, активно занятая в репертуаре. По окончании училища им. М.С. Щепкина в 2009 году Полина была принята в труппу театра и почти сразу стала играть главные роли в спектаклях: Лидия «Бешеные деньги» А.Н. Островского (2010 г.), Софья «Горе от ума» А.С. Грибоедова (2012 г.), Лиан «Священные чудовища» Ж.Кокто (2012 г.), Нина «Маскарад» М.Ю. Лермонтова (2014 г.). Последние премьеры Полины – роль служанки Луизы в спектакле «Восемь любящих женщин» Р.Тома и Анна в премьерном спектакле «Васса Железнова – первый вариант» М. Горького (режиссёр-постановщик В.М. Бейлис). О новой роли, вводе в спектакль С.В. Женовача и особенностях своей актерской «кухни» искренне и с юмором Полина рассказала в нашей беседе. Материал опубликован в новом номере газеты «Малый театр».

– Есть ощущение, что все твои героини – сильные личности. Близки ли тебе такие героини, интересно ли их играть?

– Они действительно все очень сильные, даже – Софья в «Горе от ума» Грибоедова. Она лирическая героиня, но в конце пьесы ей приходится сделать выбор. Естественно, в подготовке роли я иду от себя.

– Луиза в спектакле «Восемь любящих женщин» тоже сильная героиня?

Я где-то читала об этом персонаже, что она «так же сексуальна, как и труслива». Я не могу объяснить словами, но внутренне это понимаю. Луиза не ищет сложных путей, она выбрала простой путь – стать любовницей хозяина.

– Твоя новая роль в премьерном спектакле «Васса Железнова» М.Горького – Анна. Кто она и какова причина ее возвращения в отчий дом?

– Она старшая дочь в семье, росла под страхом отца. Он и руку поднимал на нее и на мать. Ей уделялось мало внимания, а потом у нее появился брат, она его воспитывала, как и второго брата. Они так и жили, как три зверька. Анна выросла, влюбилась, с кем-то соединилась, и отец ее выгнал… Прошло десять лет, в течение которых она редко переписывалась с матерью, пока не получила письмо, что умирает отец. У Анны складывается судьба, похожая на судьбу матери: её муж тоже при смерти. Денег у нее нет. Зачем она приезжает? Ей нужен капитал. Она сразу договаривается с матерью, что если поможет той разобраться с проблемами в семье, тогда Васса подарит ей расписку, в которой говорится, что дочь получила все деньги от наследства и больше ни на какую долю не претендует. Это ее главная цель, и все это Анна делает ради детей: у нее два ребенка – мальчик и девочка. Наследники рода Железновой.

– То есть еще одна сильная женщина в череде твоих героинь?

– Да, Анна – это вторая Васса. Она полностью в мать. Все ее поступки я оправдываю тем, что они ради детей. Анна говорит Вассе, что считала себя лучше ее, а теперь понимает, что она тоже способна на убийство, и это перелом в ней – я такая же, как мать!

– А хотела бы ты сыграть пассивную героиню? У Чехова например?

– Я очень люблю Чехова. У него глубокие образы, это мне как раз и нравится: нет отрицательных и положительных героев, у всех души больные. Но мне хотелось бы Чехова сыграть в кино. У него все события обычно происходят за сценой. Мы видим шлейф происходящего, поэтому нужны крупные планы, не хочется наигрывать, играть громко.

– Интересны ли тебе героини, которые, как например твоя Лиан в спектакле «Священные чудовища» Кокто, оказываются не теми, кем казались сначала?

– Это и мне интересно, и зрителям, когда идет обманка. Это не всегда возможно показать. Персонаж на протяжении спектакля меняется от положительного к отрицательному, от слабого к сильному, меняется внутренне, это всегда интересно.

– Малый театр – классический театр, в том числе и по репертуарной линии. В премьерных спектаклях ты чаще всего имеешь предшественников в исполнении своей роли. Ты смотришь предыдущих исполнителей, или тебе мешает чужой опыт?

– Нет, не мешает, мне интересно. Я не боюсь копировать. Ты же видишь и ошибки, и какие-то классные моменты, которые можно «своровать» в хорошем смысле этого слова.

– Ты наверняка смотрела фильм Франсуа Озона «8 женщин»… Не боялась сравнения с актрисой Эммануэль Беар?

– Мне очень нравится эта актриса, её внешность, пластика, женственность. Я не боялась быть с ней чем-то похожей, чтобы вдруг начинали сравнивать внешне, по мимике, и по движению...

– Расскажи, пожалуйста, про ввод в спектакль Сергея Женовача «Горе от ума» на роль Софьи.

– Вводила меня Зинаида Еливкерьевна Андреева по всем тем замечаниям, которые Сергей Женовач делал предыдущим исполнительницам. Сергей Васильевич пришел на одну репетицию и помог понять нюансы, расставить всё по местам. Вводиться было легко. Спектакль стоит на таких рельсах, с которых его уже не сдвинешь. Это, безусловно, заслуга режиссера. Если ты как актер будешь знать про что спектакль, биографию своего героя, ты сыграешь всё, у тебя будет четкая основа.

– Живой спектакль со временем меняется?

– Да. Мне хоть и не нравится фраза – «спектакль это живой организм», я почему-то сразу представляю какое-то насекомое (смеется), но это правда! Спектакль состоит из актеров, людей, а в жизни каждого человека что-то меняется, и отношение к произносимому тоже.

– Ты закончила курс В.М. Бейлиса и В.Н. Иванова. Каково это работать с двумя мастерами?

– А ведь у нас было не только два педагога по мастерству. Были Солнцева Римма Гавриловна, Демин Кирилл Вадимович, Клюев Борис Владимирович, Дмитриева Евгения Олеговна. Мне кажется, это очень хорошо. Конечно, приходилось перестраиваться, потому что у каждого педагога своя методика. Но это здорово, это пошло мне на пользу – в жизни встречаются разные режиссеры, а ты набираешь больше от разных педагогов. Что-то больше твое, что-то меньше, что-то нравится, что-то нет. В итоге это тебя очень тренирует.

– С режиссерами когда-нибудь спорила?

– В институте, по глупости, когда-то спорила. Потому что считаешь себя самой умной! Ты все уже знаешь и умеешь делать к четвертому курсу! А потом, когда начинаешь работать в театре, ты понимаешь, что ничего не знаешь, ничего не умеешь.

– Ты могла бы составить список своих слабых и сильных сторон? Свои плюсы и минусы как актрисы?

– Я знаю свои слабые стороны. Прежде всего – лень. С сильными будет сложнее определиться…Недостатки свои я знаю… Я не хочу, чтобы другие их видели (смеется).

– Но если говорить о сильных сторонах, то зритель, увидев тебя на сцене, запоминает необычный голос. Тебе важно мелодически выстроить образ? Особенно в стихотворных ролях, как Софья в «Горе от ума» или Нина в «Маскараде»?

– Это интересно, это отдельная часть актерской профессии. Поначалу, я вообще об этом не задумывалась. Потом я услышала себя на пленке и подумала, какой же противный голос. Я не люблю, кстати, свой голос, мы себя слышим как-то по-другому. Потом мне кто-то сказал, какой у тебя красивый, низкий голос. Я начала басить. Мне сказали, не баси постоянно, сделай по-разному. И я начала задумываться, что этим можно играть и сделать очень интересно. Теперь я это делаю осознанно. А про стихи – я обожаю Лермонтова. Нину я с таким удовольствием каждый раз играю. А «Горе от ума»?!. У меня леденеют руки, жутко, что я забуду текст. Хотя стихи, не так сложно выучить, мелодично… Может быть, потому что ввод. А Лермонтов и текст «Маскарада» идут сам по себе.

– Есть ли у тебя роли любимые, от которых подзаряжаешься и такие, от которых устаешь, чувствуешь опустошение?

– «Маскарад» – очень странный спектакль. Иногда, после эмоциональной сцены в финале мне хочется прийти в гримерку и в голос рыдать. Я, конечно, беру себя в руки, но внутренне именно такое состояние. Пройдет минут десять, меня потрясет, поколотит, я успокоюсь, и мне становится хорошо, да, я это сделала! Таких ролей, чтобы опустошали – нет.

– Как ты подходишь к созданию образа? Что является ключом к образу?

– Они у меня рождаются всегда интуитивно. Не потому, что я долго сижу дома и читаю литературу, разбирая каждое слово. Надеюсь, что научусь позднее так подходить к роли. Пока я беру количеством репетиций и интуицией.

– Тебе важнее увидеть образ в целом, а не идти от какой-то детали, «раскручивая» ее?

– Да, мне важно увидеть в целом внутренне героиню. Но с Анной в «Вассе Железновой» у меня как раз одна деталь решила образ. Я повесила себе кулончик с портретами детей (мне папа посоветовал), и тогда я поняла, что все, что она делает, ради них. Раньше я интуитивно это понимала, а тут убедилась. Они всегда у нее на сердце, всегда рядом.

– Ты приходишь на первые читки, репетиции уже с заготовками по роли или ты хочешь быть листом бумаги, чтоб идти от установок, которые дадут режиссеры?

– Как правило, я лист бумаги. Это идеальный вариант, когда ты полностью доверяешь режиссеру, слушаешь его и идешь от него. Я вообще исполнитель. Мне самой намного сложнее сочинять себе образ. Мне еще в училище мой педагог, Женя Дмитриева, человек с богатейшей фантазией, сказала: «ты исполнитель, когда ты веришь режиссеру, ты точно попадаешь в десятку».

– Интересно тебе создавать разные роли, противоположные по характеру, как, например, в училище – Монахову в «Варварах» Горького и Глафиру в «Волках и овцах» Островского?

– Мне это нравится. Я всегда очень боялась, что мои персонажи будут похожи, что я одинаковая, не могу быть разной. К этому я стремлюсь, хочу добиться, чтобы новая роль не была похожа на предыдущую.

– В Малом театре тебе повезло, ты пришла и сразу стала получать большие роли в спектаклях: Лидия, Софья, Нина, Лиан и другие.

– Я с огромной благодарностью отношусь к театру, он все время дает мне возможность быть в работе. Мне очень повезло! Я не смогла бы сидеть без работы.

– Ты ходишь в другие театры на спектакли?

– Да. Только когда видишь что-то хорошее – очень завидно. Когда я завидую, и мне хочется сыграть эту роль – значит, спектакль мне понравился.

Беседовала Вера Тарасова

Горьковская «Васса Железнова» в Малом театре

Яростные попытки сбросить М. Горького «с корабля современности», вскипевшие на волне антисоветизма в конце 80-х годов прошлого века, потерпели крах. Ну сняли было его профиль с первой страницы «Литературной газеты», оставив там Пушкина в одиночестве. Ну переименовали Художественный театр, идеологически противопоставив классика Чехова классику Горькому. И, конечно, существенно попридержали горьковские издания и постановки его пьес.

Однако что сегодня? Вернулся на своё место в «Литературке» законно находившийся здесь образ, и МХАТ имени М. Горького, спасённый подвигом Татьяны Дорониной, продолжил свою незаменимую жизнь в искусстве. А если говорить об изданиях великого писателя и постановках созданных им пьес, они тоже продолжаются, одолевая все препоны. По причине понятной: это ведь действительно один из величайших писателей русской, советской и всей мировой литературы.

КЛАССИКА потому и называется классикой, что она не только для времени, когда рождена, но и для всех будущих времён. Доказывать сие не стану, ибо имеющим глаза и уши (без предвзятости!) истина эта бесспорна. Другой вопрос — как относятся к литературной, драматургической классике некоторые или даже многие театры сегодня. О, вот это беда! Когда всё уродуют до неузнаваемости, получается уже не классика, а нечто совсем иное, не имеющее никакого отношения к первоисточнику и автору его.

Словом, увидев в афише имя того же М. Горького, не спешите радоваться. Тут главное, какой театр афиша представляет. В Москве добросовестный подход к текстам классических авторов являют ныне, как правило, два сценических коллектива — Малый театр и упомянутый уже МХАТ имени М. Горького. Можно сказать, сохраняют традицию, ибо такого отношения к великой литературе придерживались здесь изначально и почти всегда.

Характерный момент. Поводом для этой статьи стала новая постановка горьковской «Вассы Железновой» в Малом театре. А до этого две Вассы, которых я считаю классическими, созданы были двумя народными артистками СССР именно в этих театрах — Верой Пашенной в Малом и Татьяной Дорониной во МХАТ. Спектакль, поставленный больше двенадцати лет назад на мхатовской сцене, с колоссальным успехом идёт до сих пор, так что, если не видели, обязательно посмотрите.

Непременно надо смотреть и новый спектакль Малого театра в постановке народного артиста России Владимира Бейлиса. Уже потому, что это, как для кого-то ни удивительно, другая пьеса М. Горького. Под тем же названием, с одноимённой героиней, но другая, написанная четверть века спустя после первой.

Вот даты. Первая была написана и напечатана в 1910 году, то есть вскоре после революции 1905 года, отзвуки которой в пьесе слышны. А в 1935 году, уже после революции 1917-го, редактируя свои произведения для предстоявшего тридцатитомного собрания сочинений, Горький начал править эту пьесу, как и некоторые другие, а потом вдруг взялся писать новую.

После её завершения она и стала той «Вассой Железновой», которая известна теперь большинству зрителей. Потому что этот вариант ставился в основном с тех пор и он же был дважды экранизирован. Однако и прежний, сохранивший свою самостоятельность и включавшийся в собрания сочинений писателя, время от времени привлекал внимание театров и даже стал основой некоторых знаменитых спектаклей (например, режиссёра Анатолия Васильева в Московском театре имени Станиславского).

* * *

И всё-таки «Васса Железнова» в первом варианте остаётся малоизвестной. Хотя это — Горький, и тема со временем по актуальности не снижалась, а, наоборот, возрастала. Так что меня обрадовало известие о премьере в Малом. Тем более ещё и потому, что Горький, закономерно признанный когда-то в первую очередь автором мхатовским, на сцене Малого тоже имел блистательные воплощения. Это и «Варвары» с отменным актёрским составом, и «Дачники», поставленные Борисом Бабочкиным, и «Чудаки» в постановке Александра Коршунова. А сравнительно недавно появились здесь и «Дети солнца» — спектакль, который «Правда» оценила как достижение театра.

Но продолжу о теме новой постановки. Она в этой пьесе — одна из главных для Горького, начиная с творческой его молодости и до конца жизни. Впрочем, и во всей классической русской литературе очень сильно она звучит — тема собственничества, уродующего человека.

Горькому выпало вплотную видеть утверждение русского капитализма, когда власть денег была поставлена во главу всего и вся. И как же сказалось это на человеческих чувствах и отношениях?

Тогда именно о родном городе писателя появилась пословица: «В Нижнем дома — каменные, люди — железные». Горький отмечал, что под «железными» людьми разумелись хозяева Нижнего Новгорода, купцы и промышленники, шедшие буквально на всё и не гнушавшиеся ничем, создавая свои состояния. Никакое злодейство, никакое преступление не должно было их остановить.

А если в такой жизненной роли оказывается женщина? Она ведь по природе своей существо более мягкое, чем мужчина, а по изначальному призванию — мать, обязанная всю свою любовь передать детям. Высвечивая это, пьесе 1910 года Горький и подзаголовок даёт — «Мать».

Но всё же название обоих вариантов с говорящей фамилией — «Васса Железнова», и это не случайно. Писателю важно рассмотреть, как в женщине, которая по положению своему должна быть «железной», бесчеловечный долг сталкивается с человечностью, а «дело», которое, согласно тому же положению, для неё превыше всего, вытесняет и даже убивает любовь. И тогда неизбежно рушится семья, которой без любви быть не может.

Собственно, так воспринимается впечатляющий спектакль Владимира Бейлиса в Малом театре — прежде всего как внимательное прочтение Горького, причём перекликающееся во многом с днём сегодняшним.

Один из лучших театральных художников Эдуард Кочергин создал сценический образ дома Железновых. Сперва мне показалось, что он неточен, поскольку не вполне соответствует горьковским указаниям в его ремарках. Там акцент на тесноте кабинета Вассы, на том, что бумаги, относящиеся к «делу», властвуют в помещении, попирая людей. А у Кочергина иное решение: дом — без крыши. Потом я понял: из такого обиталища «на юру» недаром все, кроме хозяйки, стремятся поскорее уйти или даже убежать. Слишком неуютно…

Много значит и музыкально-звуковой приём, найденный режиссёром вместе с талантливым композитором театра Григорием Гоберником. Этот ритм тревожного ожидания, который пробивается и нарастает в самой атмосфере железновского дома, предвещает всё новые драмы и трагедии. Напряжение прямо-таки захватывает меня в зрительном зале. И каково тем, кто на сцене вовлечён в этот круговорот страстей.

Конечно, в центре всего — она, Васса Петровна, образ которой стал весьма значительной работой народной артистки России Людмилы Титовой. По-теперешнему говоря, перед нами бизнес-вумен, то есть предпринимательница, капиталистка, вырастившая вместе с мужем своё «дело». А муж, нелюбимый развратник, умирает за стеной её кабинета. И кому же отойдёт нажитое? Кто после неё продолжит «дело», если дети вряд ли для этого годны?

Всевластное «дело», которому она рабски подчинена, и любовь к детям, остатки которой нет-нет да тронут её душу, сталкиваются подчас так, что искры летят. Вот нежность и жалость к обиженному природой сыну Павлу (в пронзительном исполнении Станислава Сошникова) и редкий ответный порыв сыновнего чувства соединяют их на какие-то минуты взаимным притяжением. Но сколь кратки эти минуты! Едва Павел, оторвавшись от неё, выходит, опять Вассу охватывает главнейшая её забота, и неистово рвёт она в нахлынувшем отчаянии бумаги с деловой своей конторки: «Для кого всё это? Для чего?»

Только в том-то и суть, что власть денег давно уже стала иррациональной, бессознательной силой не извне, а внутри неё самой. И преодолеть эту силу никакими вспышками разумных вопросов она не может. И цепь преступлений — якобы ради детей, а фактически во имя давящего «дела» с его прибылями — продолжается.

* * *

Но счастливы ли при этом дети? Отнюдь! Они чужие и друг другу, и матери, которая для них старалась. Ненавидящая Павла жена Людмила (артистка Ольга Абрамова) в глаза называет его уродом. Другой сын, похотливый и дурковатый Семён, колоритно сыгранный Алексеем Коноваловым, с женой Натальей вроде бы в наилучших отношениях. Однако мы видим, что по существу это союз двух затаившихся хищников, и Ольга Жевакина в роли Натальи глубоко, тонко и достоверно вскрывает лицемерно-ханжескую личину «голубицы со змеиным умом».

Благополучной и внимательной к матери может показаться сперва дочь Анна, прибывающая из другого города перед смертью отца. Такой изображает её, жену офицера, артистка Полина Долинская. Но далее флёр внешнего благополучия постепенно снимается — всё больше начинает проглядывать тот же «змеиный ум». И как только эта дочь достигает единственно желанного — бумаги о наследстве, немедленно исчезает, оставляя мать в полном одиночестве.

Трагическую финальную сцену, где Васса разговаривает вроде бы с Анной и Людмилой, а в действительности сама с собой, Л. Титова проводит на очень сильном эмоциональном накале. А вот главное, что вырывается у её героини из-под спуда тяжелейших грехов: «Вы меня — любите… немножко! Много и не прошу — немножко хоть! Человек ведь я…»

Человеку для жизни нужна любовь. Не разгул, как у брата хозяина дома — Прохора Железнова, который в убедительной трактовке заслуженного артиста России Александра Вершинина рвётся из этого дома, как и многие другие. Для чего хочет во что бы то ни стало вернуть свои деньги, вложенные когда-то в железновское «дело». Тщетно: тут его подстерегает смерть.

Капиталистическое «дело» лишает обитателей дома любви и счастья. Права Людмила: «Здесь — несчастные всё … и потому несчастные, что не могут ничего любить… И никто не знает, что — хорошо…»

Отблеском того, что хорошо, видится любовь Вассы к весеннему саду и уходу за ним, о чём восторженно проговаривается та же Людмила. Но это — маленький кусочек в оставшейся жизни. Как и трогательная пантомима общих воспоминаний о детстве, которую в ореоле света даёт постановщик спектакля после приезда Анны в дом родителей и братьев. Понятно, для контраста всем безрадостным реалиям этого дома. И возникает чудесная идиллия, но словно мгновенное прекрасное видение: возникло — и тут же исчезло.

А вот жизнь по бесчеловечным требованиям капитала в наше время неожиданно продолжилась. Пьеса М. Горького, которая ещё три десятка лет назад была для нас историей, теперь самая что ни на есть современность. Напишут ли о ней нынешние драматурги с такой силой, как Горький? Пока не написали…

Виктор КОЖЕМЯКО, "Правда-КПРФ" , №59 (30410) 3—6 июня 2016 года

Малый театр, Р. Тома «Восемь любящих женщин»

Детектив Робера Тома для восьми актрис, написанный в 1950­х годах прошлого века, неоднократно опробовали в театре и кино. Помимо лихо закрученной интриги в наличии хорошо выписанные роли, любовные тайны, немного грусти и достаточно иронии. Сценограф Станислав Бенедиктов построил на сцене стильный дом с высокими потолками, заснеженными окнами и изящной лестницей, ведущей в комнату хозяина. По этой лестнице придется подняться всем по очереди героиням, чтобы убедиться в трагическом факте: хозяин убит, а празднование Рождества отменяется. Что произошло, кто убийца, если здесь все близкие родственники, трогательные женщины разного возраста?

Пересказывать детективный сюжет – роль неблагодарная, интрига должна сохраняться до конца. За расследование возьмется Катрин (Ольга Плешкова), дочь убитого. Для нее единственной смерть отца станет потрясением, и прелестная малышка попробует приоткрыть завесу тайны. Одна из восьми любящих точно убийца. Но кто? Бабушка, мать, тетки, служанка, сестра? Катрин много узнает из того, о чем не принято говорить вслух, но в каждом шкафу, как известно, свои скелеты.

В спектакле что ни роль – подарок зрителям. Лидирует, конечно, Ирина Муравьева – Бабушка. К смерти зятя старушка отнеслась с завидным равнодушием. Понятно, что на убийство она, конечно, не отважится, но когда­то между делом отравила своего мужа. Сейчас в шкафу она прячет свою бутылку виски, а когда задремлет – в этот шкаф спрячут ее.

Хозяйка дома Габи в исполнении Светланы Амановой – умная, рассудительная светская львица. Нет, не хищница, просто дама, умеющая глубоко спрятать свои чувства, соблюдать законы приличия и никому при этом не мешать быть естественным. В ее шкафу, конечно, любовник. Ее сестра Огюстина – полная ее противоположность. Людмила Титова не пожалела ярких комедийных красок: ее героиня – доброе, но ворчливое создание. Роль приживалки дается ей с трудом, и она настолько страдает от отсутствия внимания, что не замечает – в этой семье просто не принято выставлять чувства напоказ. А рассудительная молодая красотка Луиза – Полина Долинская, влюбленная в хозяина дома, не собирается всю жизнь провести в переднике горничной.

Конечно, героини спектакля в своем стремлении изменить жизнь на ангелов совсем не похожи. К такому же выводу придет и герой, решивший разыграть всех и притвориться мертвым. Впрочем, убийство все­таки произойдет.

Юлия Арсеньева, «Театральная афиша», Октябрь 2015 года